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Entrevista: Joan Monné

Joan-Monné

El jazz y el fútbol tienen mucho en común” dice Joan Monné en su blog www.joanmonneblogspot.com” en el que desde su forofismo culé equipara ambos mundos estableciendo una analogía desde el entrenamiento, la estrategia, el juego y el resultado.

Pianista, compositor, arreglista, Joan nació en Molins de Rei, Barcelona, España en 1968. Ha actuado tanto en solitario como líder o acompañante de figuras internacionales de jazz en gira por nuestro país. También ha grabado una larga lista de registros con diferentes formaciones.

El fútbol y la informática son sus grandes aficiones, al margen de la música, claro está.

¿Cuándo empezaste a interesarte por la música?

– Mi madre siempre tenía música puesta en casa, aunque no empecé a estudiar música hasta los 14 años.

¿Quién te impulsó o te motivó a estudiar música?

– Mi entorno de adolescente, quería tocar rock sinfónico con los amigos.

¿Cuándo te interesas por el jazz?

A partir de que mi profesor de piano clásico me prestó discos de Oscar Peterson.

¿Por qué elegiste el piano?

– Porque era autosuficiente, podía tocar melodías, acordes, ritmo, lo podía hacer todo.

¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

– Keith Jarret, Bill Evans, Wynton Kelly.

Si no tocaras el piano ¿qué instrumento tocarías?

La batería.

¿Qué le recomendarías a un principiante de tu instrumento?

– Que no tenga prisa.

¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su técnica?

– Que practique pensando en la música, no sólo en la técnica.

¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su lenguaje?

– Que escuche mucha música.

¿Con qué estilo te sientes más a gusto?

– Me gusta tocar estilos muy variados.

¿Quienes son tus intérpretes favoritos?

– Keith Jarret, Brad Mehldau, Herbie Hancock.

¿Quiénes son tus compositores favoritos?

– Wayne Shorter y Thelonius Monk.

¿Podrías recomendar un disco?

– ¿Sólo uno? Four and more, de Miles Davis.

¿Cuáles son tus aficiones al margen de la música?

– El fútbol y la informática.

Como siempre que nos encontramos con Joan es un placer compartir conversación y música. Esa noche acompañó a Horacio Fumero en la presentación de su disco “Vuelos” junto al excelente trompetista argentino Mariano Loiácono. El concierto fue un éxito. Hasta pronto Joan.

Hot Cool para Majazzine

Vila-real 5 de abril de 2014

Entrevista: Horacio Fumero

Horacio Fumero 2Hoy nos encontramos con Horacio Fumero, contrabajista argentino, barcelonés de adopción, conocido y reconocido en Europa por una larga trayectoria en la que se ha codeado con excelentes músicos de la talla de Tete Montoliu. Hoy ha presentado junto a Joan Monné en el piano y Mariano Loiácono en la trompeta y el fliscorno su último trabajo discográfico “Vuelos”, en que describe con música diversas aves de su tierra natal.

Natural de Cañada Rosquín, (1949) y catalán de adopción, Horacio Fumero es uno de los contrabajistas más valorados y respetados en Europa, dónde se “posó” junto a un gato, el Barbieri, en el año 1973, para participar en el festival de Montreaux. Pero Horacio no fue un ave de paso, sino que anidó en Ginebra y más tarde, en 1980, se mudó a un habitat más cálido donde, de la mano (o bajo el ala, elija el lector) de Tete Montoliu, instaló su residencia en Barcelona hasta la actualidad. Tete incubó y vio crecer a este polluelo hasta que se  convirtió en el águila imperial que surca el firmamento de los diferentes paisajes musicales que constituyen su diverso hábitat natural.

¿Cuándo empezaste a interesarte por la música?

Cuando era un niño me fijaba en mi hermano mayor y comencé a tocar la guitarra a la edad de 5 años.

¿Quién te impulsó o te motivó a estudiar música?

La radio. Escuchar música en la radio era una de mis aficiones favoritas.

¿Cuándo te interesas por el jazz?

Nuevamente la respuesta está en la radio. En Radio Universidad de Santa Fe Juan José Sael conducía un programa de jazz, que estuvo en antena muchos años, a través del cual empecé a escuchar esa música diferente y maravillosa de la que me quedé prendado. Pero también inflluyó el hecho de que asistí a un concierto que Astor Piazzola con Quicho Díaz ofrecieron en mi ciudad natal.

¿Por qué elegiste el contrabajo?

Porque solía tocar los bajos en la guitarra y de ahí me pasé al contrabajo.

¿Cuales son tus principales influencias musicales?

John Coltrane

Si no tocaras el contrabajo ¿qué instrumento tocarías?

El bajo eléctrico

¿Qué le recomendarías a un principiante de tu instrumento?

Primero le recomendaría que estudiara música clásica y luego que eligiera el autor o autores que más le gustaran y que intentara copiar, transcribir o adaptar su lenguaje.

¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su técnica?

Hablar con gente más experimentada, también buscar un buen maestro o varios maestros.

¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su lenguaje?

Que escuche mucha música, que escuche las fuentes directas, a los grandes intérpretes.

¿Con qué estilo te sientes más a gusto?

No creo en los estilos. Hay música buena y mala

¿Quiénes son tus intérpretes favoritos?

Nos llevaría horas enumerar todos los que me gustan.

¿Quiénes son tus compositores favoritos?

Copia la respuesta a la pregunta anterior, por favor

¿Podrías recomendar un disco?

Depende para qué persona o para qué momento, por ejemplo, el cuarteto de cuerda de Sostacovich, Crescent de John Coltrane, cualquiera de Joao Gilberto o Camarón de la Isla, música hindú, tangos de Horacio Salgar, y un inabarcable etcétera.

¿Cuáles son tus aficiones al margen de la música?

La lectura y la cocina

Cuéntanos qué significó en tu carrera Tete Montoliu, al que acompañaste durante años.

Me aportó experiencia, aprendizaje, profesionalidad, lenguaje. Gracias a Tete pude conocer a los más grandes.

Hoy hemos conocido un poco más a Horacio Fumero, un excelente músico del que tenemos la suerte de disfrutar con cierta frecuencia y esperamos seguir haciéndolo en un futuro cercano.

Hot Cool para Majazzine

Vila-real 5 de abril de 2014

Scott Hamilton Quartet

Lugar: Pizza Express – Londres OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Dia: 3 de enero 2015-01-07

Hora: 21:00h

Entrada: 23 £

Intérpretes: Scott Hamilton (saxo), John Pearce (piano), Dave Green (contrabajo), Steve Brown (batería).

 

Hacía tiempo que Scott Hamilton no visitaba el escenario del Pizza Express de Londres, lo que había generado una gran expectación por la vuelta de este gran músico.

Scott es uno de los saxofonistas en los que la tradición de los clásicos es más evidente. Su calidez es sucesora directa de los sonidos que proporcionaban a su saxo Lester Young y Coleman Hawkins.

Hamilton es hoy día uno de los jazzmen con mayor actividad en todos los escenarios del mundo. Pocos son los días en que su trabajo no es oído en directo en los clubs y auditorios más importantes.

En esta ocasión, se presentó en Londres con un magnífico trío de músicos con los que ya había compartido escenario en anteriores ocasiones. Su gran amigo John Pearce fue un apoyo armónico imprescindible durante todo el concierto, adquiriendo más y más protagonismo tal y como iban desarrollándose los solos. Le siguió de cerca el gran contrabajista Dave Green, heredero directo del gran Ray Brown. En la batería, con un papel más discreto pero no menos importante, uno de los músicos más solicitados de Londres: Steve Brown.

Durante los dos pases de una hora cada uno que duró la actuación, Scott y sus músicos fueron desgranando poco a poco, con gran sabiduría y con el buen hacer que les caracteriza, una serie de estándards, la mayoría reconocibles por el público que llenaba el Pizza Express. Love Letters, Green Dolphin Street, e incluso Girl from Ipanema fueron algunos de los temas que regalaron a la audiencia.

Scott tiene la gran habilidad de saber estar dentro de distintos estilos. Aunque su gran influencia ha sido el cool jazz, es capaz de pasar por el swing y sentirse como pez en el agua con temas de hard bop. Sus frases largas, su sonido cálido y su conocimiento del lenguaje jazzístico le hacen hoy por hoy uno de los saxofonistas más importantes e imprescindibles del panorama del jazz.

En este concierto la comunicación con el público fue fluida desde el primer momento, consiguiendo hacer volar a la audiencia hasta territorios donde pocos artistas son capaces de llegar.

Scott dejó el escenario del Pizza Express con la misma energía con la que empezó y a la que nos tiene acostumbrados en todas sus actuaciones.

Entrevista: Pat Martino

Pat Martino 5Entrevistamos a uno de los guitarristas de jazz más importantes de la actualidad. A su indiscutible calidad musical se le añade una asombrosa historia personal de superación.

Pat Azzara (Martino, artísticamente) nació en Philadelphia en 1944 y comenzó muy joven, a los 12 años, a tocar la guitarra de jazz. A los 15 años ya estaba tocando como profesional y ganando dinero por ello.

Se podría decir que Pat Martino ha hecho dos carreras musicales en una misma vida.

Ascendió tempranamente al Olimpo de elegidos del jazz, dado que a su natural talento se le unió la indiscutible influencia de su padre, Carmen “Mickey” Azzara, que cantaba en los clubs locales y había estudiado algo de guitarra. Fue él quien llevó a Pat a escuchar y reunirse con Wes Montgomery y otros músicos de primera fila.

Pat coincidió con John Coltrane en las clases de música, con quien tomaba chocolate caliente mientras hablaban de música.

Su éxito precoz le llevó a integrar bandas de rock y su primera gira fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de bachiller. A partir de aquí comenzó su ascenso imparable en el escalafón del jazz.

Más tarde se mudó a Harlem para sumergirse en el “soul jazz”.  El trío de órgano de jazz le caló profundamente, tanto que hoy en día es uno de sus formatos favoritos, como el que ha presentado esta noche (17/11/2013) en el Jimmy Glass de Valencia, España, junto con Pat Bianchi en el órgano Hammond y Carmen Intorre en la batería.

Pat Martino, mientras se encontraba de gira por Europa en 1976 sufrió unos ataques epilépticos que le llevaron al quirófano a causa de unos aneurismas cerebrales congénitos. Tras la última operación, Pat había perdido completamente la memoria, no reconocía a sus padres ni sabía quién era él ni a qué se dedicaba.

Tras once años de rehabilitación física, mental y musical, reconstruyéndose guitarrísticamente a través de la escucha y la transcripción de sus propios discos, reapareció en 1987 en Nueva York en un concierto cuya grabación se editó en un disco titulado “The return” (El regreso).

Después de esta reaparición se retiró por un período de 7 años para cuidar a sus padres enfermos, y no volvió hasta 1994, tras la muerte de ambos, grabando “Interchange” y posteriormente”The Maker”.

Hoy en día Pat Martino sigue siendo uno de los dioses del Olimpo del jazz, compaginando los conciertos y las grabaciones con la enseñanza en la Universidad de las Artes en Philadelphia.

Pat Martino 4

Justo después de la prueba de sonido y antes del concierto, gracias a la intercesión de su manager en España, Pat nos recibe en la barra del bar del Jimmy Glass y accede a que le hagamos las siguientes preguntas.

1.- Usted ha realizado una doble carrera de éxito, antes y después de su enfermedad, es una historia singular y asombrosa. Además de su natural y excepcional talento, ¿qué factor ha sido también importante en su regreso a la élite mundial del jazz?

Cuando yo era joven sólo tenía un foco de interés, la música. Música, música y sólo música. Música a todas horas, estudio, análisis, escuchar, leer, practicar. A partir de mi enfermedad comprendí que la vida era algo más, era la familia, los seres queridos, un amanecer, una buena comida, una buena charla, una buena lectura. Esa amplitud de miras fue la que me dio fuerzas para volver pero de otra manera, valorando las cosas que tenía alrededor y que antes me pasaban desapercibidas. La música sigue siendo mi gran afición y mi mayor ocupación, pero no la única.

2.- Si usted tuviera que citar tan sólo a un par de músicos que hayan inspirado su carrera musical ¿a quien citaría?

Sólo dos es imposible, no sería justo, pero podría decir que sin duda Wes Montgomery y John Coltrane han sido influencias muy importantes, pero no puedo dejar de citar a Jack McDuff y otros organistas que han marcado mi música.

3.-¿ Cuál es la formación con la que más le gusta tocar?

El trío con órgano, como la que presento esta noche es una de mis formaciones favoritas, porque fue una de las que más me marcó en mis comienzos, pero me siento cómodo en cualquier tipo de formación.

4.- ¿Qué guitarrista ha influido más en su carrera?

Wes Montgomery, pero hay muchos otros a los que me gusta escuchar.

5.- ¿Cuál es su compositor favorito?

Escucho mucha música de todo tipo, clásica, rock, étnica, jazz por supuesto, pero encuentro cada día más música que me gusta y me sorprende.

6.- Su dinámica es muy potente, su ataque a las cuerdas es muy poderoso, al estilo clásico, pero últimamente está tocando con una guitarra sólida, es algo sorprendente.

Bueno, yo aprendí a tocar con las clásicas guitarras de jazz de caja y eso condicionó mi aprendizaje y mi técnica. Hoy en día la electrónica facilita mucho las cosas y puedo seguir tocando con mi técnica de siempre y obtener el sonido que me gusta. Cuando me rehabilitaba de mi enfermedad empecé a tocar sintetizadores de guitarra y me estimulaban la curiosidad de encontrar nuevos timbres. No renuncio a experimentar aunque siempre vuelvo a mi técnica y a mi guitarra de caja. Por otro lado, la guitarra sólida es más cómoda para la gira (sonrie).

7.- ¿Dentro del jazz, cuál es su estilo favorito?

El hard-bop, cool y soul jazz.

En este momento Pat es requerido por su manager para preparar los prolegómenos del concierto, le damos las gracias y nos despedimos. Vamos raudos a ocupar nuestro asiento en el apretado aforo del Jimmy Glass.

El concierto estuvo a la altura de la expectación generada y el público así lo supo reconocer con apasionadas ovaciones y vítores, no sólo a Pat Martino sino también a Pat Bianchi y a Carmen Intorres Jr.

Hot Cool para Majazzine

Valencia, 17 de noviembre de 2013

Entrevista: Josep Maria Farràs

Benicàssim 12/12/2014

Farràs 15

Josep Maria Farràs, es un trompetista legendario, de los que han marcado el rumbo del jazz en España. Sencillo, afable y humilde en la conversación, se transfigura en escena cuando toca la trompeta. Parafraseando a Benny Golson y haciendo uso de su referencia a Clifford Brown, encontramos bastantes paralelismos entre ambos jazzmen. “Clifford era un tipo muy tranquilo, hasta que cogía la trompeta” decía Benny Golson. Farràs marcó un hito en la trompeta de jazz en España, con su estilo inconfundible que se nutre de los más grandes de su especialidad. Al igual que su inseparable compañero Toni Solà, su culto es el hard-bop “me paré en los 60”. Bendita “paradinha”, añado. Josep María huye de los estereotipos, del academicismo y del boato, pero es una cátedra ambulante de jazz, y en su departamento pululan eméritos adjuntos como Toni Solà y un joven becario Marc Martí que dará mucho que hablar en un futuro próximo.

Tomamos asiento en las butacas de la primera fila del auditorio y comenzamos nuestra charla.

P: ¿Cuando empezaste a interesarte por la música?

R: Mi familia regentaba una tienda de instrumentos musicales en Terrassa y yo tenía un contacto muy directo con la música y los instrumentos.

P: ¿Qué persona te impulsó/motivó a estudiar música?

R: Quizá el ambiente familiar en el que la música estaba presente en todo momento

P: ¿Por qué elegiste tu instrumento?

R: Empecé a tocar el saxo pero un músico holandés me convenció de que tocara la trompeta

P: ¿Cuando y cómo te interesas por el jazz?

R: Alrededor de los 15- 16 años, comencé de forma autodidacta. Luego estudié en el conservatorio y un profesor intentó disuadirme de que no tocara “jacs” que eso no era música

P: ¿Cuales son tus principales influencias musicales?

R: Charlie Parker, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Clifford Brown, Miles Davis, en general los maestros del hard bop. Me paré en los 60.

P: Si no tocaras la trompeta ¿que instrumento tocarías?

R: El saxo

P: Qué le recomendarías a un trompetista principiante?

R: Que escuche y transcriba mucha música

P: ¿Y para mejorar su técnica?

R: Que asista a clases de instrumento

P: ¿Y para mejorar su lenguaje?

R: Que escuche mucha música

P: ¿Con qué estilo te sientes más a gusto?

R: Con el hard-bop, bebop, el cool, el blues, etc. pero también me gusta escuchar música clásica y concretamente algunas óperas y también música étnica.

P: ¿Quienes son tus intérpretes favoritos?

R: Charlie Parker, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Clifford Brown, Miles Davis, etc.

P: ¿Quienes son tus compositores favoritos?

R: Cualquiera de los intérpretes que te he citado anteriormente

P: ¿Podrías citar un disco?

R: Alguno de Billy Holliday o Charlie Parker.

P: ¿Cuales son tus hobbies?

R: La música

Me hubiera gustado seguir charlando con Josep María un rato largo porque es de esas personas que emanan bonhomía y sabiduría, pero quedaba poco para el concierto y mandaba el inexorable Cronos. Habrán más ocasiones.

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Duelo al sol. Pat Martino vs. John Scofield

Por UnodelosWEStros

Duelo al Sol, film dirigida por King Vidor en 1946, con Jennifer Jones, Gregory Peck y Joseph Cotten, en triángulo.

Un gran western de cromatismo exacerbado, pletórico de lubricidad y pasión, perfecto guión y actores entregados.

Estamos en la cuna del spaghetti western, a punto de asistir a otro duelo, incruento, entre dos guitarristas de tez pálida.

UMBRIA JAZZ. Año Nuevo 2002: Pat Martino y John Scofield se baten en Orvieto, Italia.

Martino, Joey DeFrancesco , Byron Landham y Scofield como invitado, solamente en “Sunny”: 14 minutos mágicos.

Pat arranca en tercera, borda la melodía por octavas,  y a la suya….. Expone la selecta paleta expresiva que conforma su estilo inconfundible, distintivo, elegante y esculpe el tema sobre una estructura de granito.

La cimentación de Joey junto a Landham provee solidez, por lo que Pat se aleja de la melodía cuanto quiere, tensa y cede, hace diabluras con el tempo, crea rítmicas lagunas narrativas con sus loops repetitivos, destilando soltura, sentido del humor y riesgo.

Un Trío supercompacto, denso, macizo, donde es muy difícil meter baza y casi imposible meter riff. John lo intenta al principio superponiendo algún ornato, superfluo por obvio e incómodo porque pisa la línea clara y fluida de Pat.

Scofield se da cuenta, cabecea, ahora sabe que erró aceptando la propuesta de Pat para unirse al Trío.

Joey trata de hacerle sitio reduciendo al mínimo la armonía y acentuando los bajos, pero Scofield no encuentra el camino, mira sus pedales, comprueba su guitarra y decide permanecer silente en su estupor.

Mientras tanto el Trío, ocupando todo el espectro sonoro, trota bajo el cálido Sunny, por la souleada senda que trazó Bobby Hebb en su magistral tema. Suena poderoso, sin excesos, explícito y apabullante.

A los tres minutos y medio de impecable ejecución, Martino descansa y John abrumado inicia tímidamente su discurso, mientras Pat casi le baila con paternal atención.  John va cogiendo aire, ligando notas para armar  largas secuencias, con esa textura sónica tan suya, distorsionada, sin graves, pocos medios y agudos torturados, que Joey complementa con poderosos riffs de bajos, con latido de slap, que le indican a John al camino a seguir, fusión con acento funk. Pat todavía le baila a su invitado, pero su mirada le delata, tiene mucho que decir todavía y Scofield ya está exprimiendo sus recursos en escasos tres minutos.

Dan paso a Joey y éste despliega toda la liturgia del B3 en un enjundioso y comprensible solo, no por previsible menos emotivo. Formidable swing, soberbio sonido, impecable técnica, buen gusto y todo el oficio de la dinastía DeFrancesco, un referente en el mundo Hammond.

Estamos ya en el minuto 9 y toca reexposición del tema. Están todos relajados, contentos con su solo y se percibe un público entregado, es el momento de que Pat ejerza de buen anfitrión. Situándose en las coordenadas de Scofield, le propone un intercambio de riffs, en un duelo con tongo implícito, que el de Ohio acepta de buen grado.

Joey enfatiza y acentúa, ya estamos en territorio descaradamente funky mientras los guitarristas exponen solos paralelos pero miscibles, con un sesgo “moderno” muy de la época. El tema finaliza con un galimatías pelín exhibicionista, escorándose hacia el blues eléctrico más vehemente, en una suerte de falso apogeo artificioso, porque Sunny, en sí mismo, es un largo clímax en permanente crescendo desde el inicio.

Y el pobre Byron Landham sin hacer su solo.

Desenlace sin sangre, noche de Año Nuevo (estupenda forma de empezar el año!)  jazz  musculoso y asequible, del que crea afición y eso hace mucha falta. No hay perdedores en este duelo, pero sí hay un “vincitore” indiscutible, ya no por puntos sino por K.O técnico, este es Martino. Tiene su explicación, Pat en su terreno, con su trío y su apabullante seguridad es invencible. Y es que, de niño, compartir mesa durante el desayuno con Wes Montgomery y ser compañero de estudios de Coltrane, imprime carácter.

Ahora una referencia al tema. Sunny fue compuesta por Bobby Hebb en 1963, justo el día después del asesinato de JFK y día en que Harold Hebb, su hermano, fuera apuñalado en una pelea de club nocturno. Hebb devastado escribió Sunny aquel día aciago, buscando el sol luminoso y  el lado bueno de la vida. Sabio Bobby.

Sunny es uno de los temas de la música popular más versionados de la historia. No es para menos. Se lanzó como single en 1966 y al incluir a Hebb en la gira americana de The Beatles, el tema explotó. Más tarde  la grabaron Frank Sinatra, James Brown, Stevie Wonder, Marvin Gaye, Cher y Boney M, nada menos.

Un tema así de bueno había que enfocarlo desde el jazz y el gran Pat Martino lo hizo, después de Wes Montgomery, Jimmy Smith y otros. Aquí en la web de Bobby Hebb,  http://www.bobbyhebb.com/?q=node/20

Bobby con Ron Carter, en acústico: http://www.bobbyhebb.com/?q=node/17

Pero volvamos al Duelo en Orvieto. La Red está plagada de vídeos del tema, la mayoría de baja calidad.

Les recomendamos éste: https://www.youtube.com/watch?v=syercy760YQ

Es en HQ, imagen pobre y buen sonido. Disfrútenlo, mejor con auriculares.

 orvietojpg

Curiosa imagen de transición extraída del vídeo. Vemos a dos Pat, a dos John y a Joey ectoplásmico sobre el B 3. Refleja lo que fue esta versión de Sunny. Sobrenatural.

OTRO

Josep María Farràs – Toni Solà Quintet

CONCIERTO: JOSEP MARIA FARRÀS – TONI SOLÀ QUINTET

D.A. Benicàssim Farràs i Solà

Día: 12 de diciembre de 2014

Lugar: Espai de Música Mestre Vila de Benicàssim (Castellón –  España)

Músicos: Josep María Farràs, trompeta; Toni Solà, saxo tenor; Marc Martí, piano; Ignasi González, contrabajo; Xavi Hinojosa, batería

El Festival Internacional de Jazz de Benicàssim nos deparó otra jornada memorable con la actuación del quinteto comandado por Josep Maria Farràs y Toni Solà, una unión ya inscrita en el registro de parejas de hecho del jazz nacional. De hecho –no he podido contener la redundancia- su complicidad es tal que sus voces se funden en un instrumento politímbrico empastando de manera aparentemente  fácil y natural.

Parafraseando a Toni Solà -quien ejerció de maestro de ceremonias- el escenario se pobló de cuatro generaciones de músicos, desde el más veterano, el trompetista Josep María Farràs al más bisoño, el pianista Marc Martí y esa combinación de sabiduría, experiencia, groove, feeling, raíces y frescura resultó en un cóctel con muchísimo sabor, rebosante de matices, ofreciendo una amplia paleta de aromas que mutaban según la pieza que los cocineros Farràs y Solà habían escogido cuidadosamente para la ocasión.

El menú descartó de entrada platos insulsos como el lluç bollit (merluza hervida) y se adentró de lleno en el mundo de sabores, aromas, colores y texturas que ofrece el hard-bop, devoción a la que se adscriben sin ambajes los líderes del quinteto. El primer plato fue “Blues Walk” de Lou Donaldson, un entrante que marcaba a las claras el itinerario del menú. Siguió un entremés atemperado en forma de bossa nova, “Ceora” de Lee Morgan, para dar paso al conocido midtime “Bye bye blackbird” de Ray Henderson, en el que Solà destapó el tarro de sus esencias y Farràs desdobló su trompeta –merced a la sordina- en dos instrumentos que dialogaban en animada conversación. En el cuarto plato, “No problems” (A. Blakey- Jazz Messengers) del film “las amistades peligrosas, Xavi Hinojosa se explayó a placer evocando al gran Art Blakey, antes de que los vientos relajaran el tono con la balada  “Old Folks” de Willard Robinson, cuyo título hicieron propio y extensivo a la audiencia en un ambiente de complicidad total, del que brotó “Work Song” de Nat Adderley con el que se remontó el vuelo, en el cual se sirvieron unas apetitosas “Fried Bananas” de Dexter Gordon adobadas con mucho swing y groove.  El postre consistió en un gemido “Moanin’ ” de Bob Timmons. En el capítulo de bises se sirvió Black Orpheus para una digestión nocturna apacible.

Farràs y Solà son una referencia obligada en el jazz nacional, su sonido y su lenguaje son dignos herederos del legado hard-bop de los fértiles 50 y encarnan la autenticidad de las raíces más raciales del jazz. Al mismo tiempo fue una agradable sorpresa comprobar como valores emergentes como el jovencísimo pianista Marc Martí se pronuncia con la solvencia y el arte de un maestro en uno de los estilos más representativos y arraigados del género. Por su parte, Ignasi González y Xavier Hinojosa llevaron en volandas al resto y esgrimieron sus propios argumentos en sus respectivos solos. Una velada repleta de sabores que satisfizo al mejor de los gourmets. Salud.

No sólo de Jazz bebe el hombre. AT Roca.

CATA DE VINOS DE AT ROCA

13/11/2014

Albino Tinto. Castelló de la Plana.

¿Se han preguntado alguna vez con qué marida el jazz?

A bote pronto, la cuestión nos evocaría el estereotipo clásico de licores, cerveza,  combinados y mucho humo de tabaco y marihuana.

Con el devenir del tiempo el hábitat jazzístico ha mutado en locales libres de humo, zumos de fruta y gin-tónic.

Si reducimos la cuestión a los espirituosos ¿con qué maridaría el jazz?

Abrimos esta serie con unos espumosos de AT Roca, una bodega que nace puntera en el  Penedés.

Agustí Torelló Sibill decidió emprender su propio camino y hace casi tres años dejó la cava dónde forjó su prestigio como enólogo y fundó AT Roca, la bodega que comanda con sus dos hijos, Jordi y Agustí Torelló Roca.

Partiendo de una cuidadosa selección de terrenos y cepas autóctonas, una viti-vinicultura ecológica y una larga experiencia en el mundo del cava, AT Roca apuesta por una oferta dual, una segura que se aferra a la sabiduría y la experiencia personificada por Agustí senior y que se cristaliza en dos vinos espumosos con la denominación de origen Penedés, uno blanco y uno rosado, y una aventurada, que resulta en un excelente vino tinto, el benjamín de la bodega que nace con vitola de superdotado a pesar de su bisoñez y un vino blanco con marcado carácter mineral.

AT Roca trabaja con viñas viejas autóctonas plantadas en zonas altas y terrenos que favorecen cada cepa particular. Aquí transcribo un extracto de su sitio web, por su interés:

“En la parte más alta de l’Ordal en el Massís del Garraf, cuenta con los pagos de  La Ginestera, L’Esparter i la Vinya dels Fòssils, plantadas de macabeu hace 54 años y situados  a 440m der altitud.

En la zona central del Penedès, en la Conca del Foix, està La Plana de l’Urpi, a 220 m. de altura, donde se ubican las parcelas de Xarel·lo de 42 años.

En la La Llacuna, a 700 metros de altura, de los pagos de La Barbera y La Margera, producen la  Parellada.

La vinificación se realiza en la Bodega de Can Bonastre, en Masquefa, una antigua masía del siglo XVI donde AT Roca prensa, fermenta y vinifica por separado cada una de las parcelas.

Una vez realizados los coupages, el proceso de segunda fermentación y crianza de sus vinos se realiza en Sant Sadurní d’Anoia.”

Invitado por la Asociación Enológica de Castellón, acudí gustoso a la cata que se celebró el pasado jueves 13 de noviembre en los salones del Hotel Jaime I de Castelló de la Plana. La cata versaba sobre dos espumosos, un vino blanco y un vino tinto, caldos todos de AT Roca.

Agustí Torelló Sibill dio una charla magistral acerca de la importancia de la composición del terreno en la producción de la uva y mostró sus dotes de orador y enólogo, tras lo cual pasamos a la anhelada cata.

Presentó en primer lugar “Floral” un vino blanco excelente, moderadamente afrutado y muy mineral, excelente para maridar con pescados y mariscos y como banda sonora sugiero Blue in Green de Bill Evans. Coupage: 75% macabeo, 20% malvasía de Sitges y 5% moscatel de Alejandría.

Seguidamente presentó sus vinos espumosos Penedés (por temas legales no tiene la denominación cava), ambos brut reserva.

El primero blanco, de burbuja fina, afrutado, marida con pescados, mariscos, postres y lo que uno quiera ¿no? Sugiero, por su carácter alegre y vivaz St. Thomas de Sonny Rollins.  Coupage: 51% macabeo, 24% xarel·lo y 25% perellada

El segundo rosado, también de burbuja fina, afrutado con sesgo hacia frutas del bosque (frambuesa, fresa, etc.). Marida con pescado, marisco, postres y un tema algo más sobrio, pero alegre al mismo tiempo, por ejemplo Poinciana, de Nat Simon y Buddy Bernier.

Por últmo ¡oh sorpresa! presentó el primer tinto que ha salido de su cava, “Sileo”, con la denominación de origen Mont Sant, un crianza de 4 meses en barrica de roble francés. Aromático, afrutado con tintes de frutas del bosque y moderadamente dulce y un leve toque de madera, que no enmascara el resto de aromas que persisten en el paladar.

Marida con carnes básicamente, pero este vino -que me perdonen los puristas-  marida con cualquier plato y cualquier postre, amén de prolongar sus aromáticos efluvios hasta un latin jazz tal como A night in Tunissia de Dizzy Gillespie.

Qué buen comienzo para una saga de tintos, larga vida a los tintos de Torelló.

Blue Jasmine

Blue-Jasmine-off

Woody Allen  – USA.-2013

por 2 Cabalgan Juntos

¿LA PELICULA MAS ANTIPÁTICA DE WOODY ALLEN?

Esta vez, al llegar al Río Pecos, los 2 que Cabalgan Juntos se separaron.

Uno pensaba que “BLUE JASMINE” era una película admirable, el retrato de una mujer imbécil pero desolada. La tragedia del expolio financiero en el origen de la mayor crisis económica que hayamos vivido (nosotros) en el rostro de Cate Blanchett. Óscar seguro a la mejor actriz y probablemente también para el guión de Allen. Maravillosa fotografía de “nuestro” Javier Aguirresarobe, con un sorprendente San Francisco -para tratarse de una película del conspicuo neoyorkino – y, como siempre, una maravillosa banda sonora en la que esta vez destaca el uso dramático de “Blue Moon” para puntear el descenso a los infiernos de la infortunada mujer que nunca supo quién pagaba la fiesta. Y éramos también nosotros.

El otro pensaba en cambio que se trataba de una película profundamente antipática y errada en su planteamiento dramático: el retrato de una mujer desolada pero imbécil. Una mal traída farsa sobre los Madoff y compañía que vivieron decididamente por encima de nuestras posibilidades. Una Cate Blanchett desorientada tratando de encontrarle la médula a un personaje errático en su escritura,  acompañada de un insufrible Alec Baldwin  como esposo- granuja- armario- ropero , cuya existencia estaba basada en el engaño las 24 horas del día y al que su esposa Jasmine amaba por su jovial despreocupación (quizá les suene). Su presunto descenso a los infiernos de la clase media-baja, representados por su media-hermana y su corte de blue collars, en un San Francisco amarillento en la mirada de Aguirresarobe ( o sería en la copia que él vió) y con un cargante subrayado musical con los tópicos habituales del viejo jazz que tanto gustan a Allen y a su clientela. Alguien dijo que era una adaptación camuflada del conflicto dramático nuclear que usó magistralmente Tennesse Williams en su obra “Un tranvía llamado Deseo”, donde Blanchet/Jasmine sería un trasunto de Blanche Dubois y Grace/Sally Hawkins, su  hermana, lo sería a su vez de Stella . Produce sonrojo la comparación, aún le pone la piel de gallina el grito desgarrado de Marlon Brando/Kowalski en la versión de Kazan: STEEELLAAA… (pese al manoseo de Almodovar en una de sus promociones).

Pero el Pecos no es un río profundo ni difícil de vadear y los jinetes se encontraron al caer la noche en una cantina donde, después de cenar y mientras tomaban tequila, vieron por televisión “Toma el dinero y corre” . LLoraron. Los dos.

BLUE JASMINE está nominada a 3 Oscars : Mejor Actriz , Cate Blanchett; Mejor Actriz Secundaria, Sally Hawkins y Mejor Guión para Woody Allen.

Después de conocerse las Nominaciones y en plena campaña de promoción, vuelven a los periódicos las oscuras historias de sus performances con la troupe infantil acumulada con su amiga, la sinatresca Mia Farrow, en los años de esplendor del Allenismo . WA  ha escrito una pausada carta al New York Times negándolo todo y aludiendo a una vieja canción de Dory Previn -ex que fue de André Previn antes de que Mia lo convirtiese también a la trashumancia-  titulada “Papá y yo en el ático” . Si es un chiste es mejor que el guión entero de “Blue Jasmine”. Si no lo es, maldita la gracia.

Mientras tanto alguien ha pedido que retiren su estatua de las calles de Oviedo. Blue Woody.

Pero hermoso. Un libro de jazz.

UN  LIBRO- Pero hermoso

PERO HERMOSO: un libro de jazz

Geoff  Dyer

Penguin Random House – 224 páginas – 16.90 Euros.

Y SIN EMBARGO, HERMOSO…

Geoff Dyer (Chetelham, 1.958)  ha escrito hasta ahora 4 novelas y varios libros que él mismo ha calificado como “desafía-géneros”. Publicó uno de éstos:  “But Beautiful : A book about jazz”,  en 1.991, ganó el premio Somerset Maugham . Hubo edición española en 1.997 (Amaranto)  y los buenos aficionados al jazz y a la literatura lo detectaron en sus radares , pero poco a poco la señal fue haciéndose más débil hasta acabar en el gran agujero negro de los libros descatalogados . Este mes de febrero de 2014 ha sido reeditado por Penguin Random House con Lester Young en la portada y traducción de Cruz Rodríguez Juiz . Cabe suponer que dos docenas de blogs de jazz lo celebren,  e incluso que venda mucho mejor que hace 17 años gracias a a la caja de resonancia de Internet. El radar ha extendido ahora su pantalla y pocos son los “objetos” –voladores o no- que queden fuera de su alcance. Contribuyamos a ello.

“PERO HERMOSO” es, claro,  una cita directa del clásico de Van Heusen & Burke de 1.947 “BUT BEATIFUL”,  y funciona como leitmotiv – con el añadido explícito de “un libro de jazz”-  de un contenedor que incluye un Prefacio (breve) en el que Dyer enseña sus cartas reconociendo que tuvo que improvisar hasta dar con la forma definitiva del libro : una colección de escenas de músicos de jazz en la que, alejándose de la crítica convencional, se adentra en la ficción. Así pasarán ante nuestros ojos Lester Young consumiéndose en un hotel frente al Birdland, Bud Powell hundiéndose majestuosamente en el Club Saint Germain,  Thelonious Monk pelando una naranja o pidiendo un vaso de agua a un recepcionista de hotel amedrentado, a Ben Webster tocando el saxo en un tren inglés, a Chet Baker perdiendo los dientes (episodio legendario que Dyer califica de “standard “ en su colección), a Mingus en Bellevue y disolviéndose bajo el sol mexicano, y a Art Pepper en la playa (aproximadamente) . Siete escenas ritmadas entre ellas por el relato intermitente e itinerante de Duke Ellington y Harry Carney recorriendo el país  en coche para llegar a una actuación, mientras Duke trata de fijar en cualquier sitio los ecos  de otros músicos sobre los que edificar una Suite Definitiva que contenga desde el grito de los esclavos hecho blues hasta la más sofisticada arquitectura modal…Es una lástima que sigamos en la ficción y esa Suite no exista. El libro incorpora un epílogo de 30 páginas, “Epílogo – Tradición, influencia, innovación” que, escrito también en 1.991 y con un inevitable aire datado, es un artefacto crítico bastante convencional, aunque aún valioso. Dice el propio Dyer : “…aunque brinda un contexto para interpretar el cuerpo central del libro, sigue siendo suplementario, no esencial” . Pues eso.

Hay también casi al final del libro un par de páginas dedicadas a las “fuentes”,   en las que reconoce haberse basado en su conjunto más en fotografías  (Reiff, Claxton, Leonard, Hinton…) que en fuentes escritas , enlazando así con una breve “Nota sobre las fotografías “ que sigue al Prefacio y en la que nos dice cómo las fotografías, las mejores, parecen prolongarse más allá del momento que describen permitiéndonos oír lo que acaba de decirse,ver lo que está a punto de ocurrir. Y sí, al final hay también una Discografía Seleccionada. El libro se abre con sendas citas de Adorno y Ernst Bloch que parecen casi una disculpa ante lo que se avecina. Complicado, en absoluto. Un libro de jazz.  Soy yo el que va hacia atrás y hacia delante.

El racismo , el ejército (Young), las salas de los hospitales psiquiátricos (Powell, Mingus…), las cárceles (Pepper), las adicciones, la música que surgía de esos abismos. ¿Pero hubo músicos de jazz felices? Es probable que sí pero no es de ellos de los que se ocupa Dyer en “Pero hermoso”. Les vemos en encrucijadas, derrotados, perdiendo su don y luchando por recuperarlo, saliendo de campo dejando el cigarrillo  humeante sobre una botella y el sombrero colgado en una maleta (maravilloso Young elíptico en la fotografía mítica). Y una inquietante teoría flotando en el libro, tanto en las viñetas sobre los músicos –que alternan tonos de balada clásica, blues y toda la gama de notas perdidas por esos grandes músicos extraviados . O no. Por que la que parece la tesis subterránea de “Pero hermoso” es dilucidar si en realidad hay “algo inherentemente peligroso en la forma del jazz” que conduce al naufragio a quienes lo tocan, al menos a los que lo hacen con una intensidad inusitada. Como el mismo Dyer dice jugando a la paradoja “¿Hay algo en la inexorable lógica de la poesía de Silvia Plath que la conduzca al suicidio?”

Pero amigo Dyer –y tú lo sabes perfectamente- el jazz no es solo una cuestión formal (aunque la forma acabe por asesinarte), se produce en un contexto determinado y se enrosca sobre si mismo ,autodeglutiéndose como la  vieja serpiente hindú, para renacer depurado, aún manchado por la sangre de los vencidos…y sin embargo, hermoso.

Bob Bebop