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Entrevista: Peter Bernstein

Peter-Benstein5-BNEste neoyorquino comenzó a tocar el piano a la edad de 8 años, pero a los 13 empezó a tocar la guitarra de oído. Estudió jazz en la universidad de Rutgers con Ted Dunbar y Kenny Barron y completó sus estudios en la Nueva Escuela de Nueva York, dónde coincidó y estudió con Jim Hall, uno de sus mayores mentores y su mayor influencia musical. En 1990 Jim Hall le invitó a tocar a dúo en un festival en el que también tomaban parte John Scofield y Pat Metheny. Este dúo ha perdurado a lo largo de la carrera de Peter.

Peter ha tocado con una lista interminable de grandes figuras del jazz y hoy en día es uno de los baluartes de la guitarra de jazz, digno heredero de su mentor, profesor, compañero y amigo Jim Hall, quien había fallecido tan sólo 9 días antes de este concierto.

Coincidimos con Peter en la master class que ha ofrecido previa al concierto con Fernando Marco e Ignasi González en Benicàssim (Castellón, España), tras la cual nos sentamos en una cafetería a charlar mientras cenamos con Fernando e Ignasi. Peter es un tipo sencillo, cercano, simpático, con el que se puede hablar de cualquier tema y así lo hacemos, pero llega el momento de hablar de él, asiente, se acomoda en su silla y comenzamos la entrevista.

P: ¿ Cuando y cómo te interesas por el jazz y concretamente por la guitarra de jazz?

R: Como muchos guitarristas de jazz fue cuando escuché los discos de  Wes Montgomery, a partir de aquí me interesé por el jazz y la guitarra y empecé a tocarla, primero por mi cuenta y luego tomando clases.

¿Cuál es tu guitarrista favorito?

– Es realmente difícil para mi contestar a esta pregunta porque me gustan muchos guitarristas y no sólo de jazz sino de todos los estilos, y no sólo guitarristas, sino cualquier músico de cualquier instrumento de cualquier estilo.

¿Cuál es tu compositor favorito?

– Es difícil destacar sólo a uno pero podría citar a Thelonious Monk, Debussy, Wayne Shorter y realmente muchos más, puedes escribir eso.

Precisamente, hablando de Monk, en 2008, publicaste un CD con ese mismo nombre, con Doug Weiss en el contrabajo y Bill Steward en la batería. Era un trabajo arriesgado pues es sabido que Monk, excepto en el principio de su carrera en el que grabó con Charlie Christian, no solía tocar con guitarristas, parece ser que no le gustaba mucho la guitarra de jazz y por otro lado la transcripción de la obra de Monk a la guitarra no fue una tarea fácil.

– Efectivamente fue una tarea dura, pues las armonías de Monk me obligaban a utilizar extensiones extremas o en otras ocasiones utilizar cuerdas al aire pero, al mismo tiempo, el reto era muy atractivo para mi porque la música de Monk es especial, me gusta mucho y ahí está el disco.

A todos los músicos, pero especialmente a los guitarristas les gusta conocer detalles técnicos, vamos un rato por este camino ¿Cuál es tu guitarra favorita?

– Mi guitarra. Esta me la constuyó un luthier amigo mío según mis preferencias personales y estoy muy contento con ella, me da el sonido y la ergonomía que yo busco

¿Qué tipo y calibre de cuerdas usas?

– Uso los siguientes calibres 14, 18, 26, 32, 42, 54.

¿Y qué púa usas?

– Jim Dunlop Jazz XL

¿Con qué formación te encuentras más cómodo, solo, dúo, trío, etc.?

– Con todas

¿Qué libro recomendarías a un estudiante de guitara de jazz?

– Los de Jim Hall y los de Ted Dunbard

Si no fueras guitarrista ¿qué instrumento tocarías?

– Saxo o piano

En este momento nos sirvieron unas deliciosas tapas que invitaban a masticar más y hablar menos, con lo que decidimos dar por terminada la entrevista.

Benicàssim 19 de diciembre de 2013

Hot Cool para Majazzine.

Entrevista: Pat Martino

Pat Martino 5Entrevistamos a uno de los guitarristas de jazz más importantes de la actualidad. A su indiscutible calidad musical se le añade una asombrosa historia personal de superación.

Pat Azzara (Martino, artísticamente) nació en Philadelphia en 1944 y comenzó muy joven, a los 12 años, a tocar la guitarra de jazz. A los 15 años ya estaba tocando como profesional y ganando dinero por ello.

Se podría decir que Pat Martino ha hecho dos carreras musicales en una misma vida.

Ascendió tempranamente al Olimpo de elegidos del jazz, dado que a su natural talento se le unió la indiscutible influencia de su padre, Carmen “Mickey” Azzara, que cantaba en los clubs locales y había estudiado algo de guitarra. Fue él quien llevó a Pat a escuchar y reunirse con Wes Montgomery y otros músicos de primera fila.

Pat coincidió con John Coltrane en las clases de música, con quien tomaba chocolate caliente mientras hablaban de música.

Su éxito precoz le llevó a integrar bandas de rock y su primera gira fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de bachiller. A partir de aquí comenzó su ascenso imparable en el escalafón del jazz.

Más tarde se mudó a Harlem para sumergirse en el “soul jazz”.  El trío de órgano de jazz le caló profundamente, tanto que hoy en día es uno de sus formatos favoritos, como el que ha presentado esta noche (17/11/2013) en el Jimmy Glass de Valencia, España, junto con Pat Bianchi en el órgano Hammond y Carmen Intorre en la batería.

Pat Martino, mientras se encontraba de gira por Europa en 1976 sufrió unos ataques epilépticos que le llevaron al quirófano a causa de unos aneurismas cerebrales congénitos. Tras la última operación, Pat había perdido completamente la memoria, no reconocía a sus padres ni sabía quién era él ni a qué se dedicaba.

Tras once años de rehabilitación física, mental y musical, reconstruyéndose guitarrísticamente a través de la escucha y la transcripción de sus propios discos, reapareció en 1987 en Nueva York en un concierto cuya grabación se editó en un disco titulado “The return” (El regreso).

Después de esta reaparición se retiró por un período de 7 años para cuidar a sus padres enfermos, y no volvió hasta 1994, tras la muerte de ambos, grabando “Interchange” y posteriormente”The Maker”.

Hoy en día Pat Martino sigue siendo uno de los dioses del Olimpo del jazz, compaginando los conciertos y las grabaciones con la enseñanza en la Universidad de las Artes en Philadelphia.

Pat Martino 4

Justo después de la prueba de sonido y antes del concierto, gracias a la intercesión de su manager en España, Pat nos recibe en la barra del bar del Jimmy Glass y accede a que le hagamos las siguientes preguntas.

1.- Usted ha realizado una doble carrera de éxito, antes y después de su enfermedad, es una historia singular y asombrosa. Además de su natural y excepcional talento, ¿qué factor ha sido también importante en su regreso a la élite mundial del jazz?

Cuando yo era joven sólo tenía un foco de interés, la música. Música, música y sólo música. Música a todas horas, estudio, análisis, escuchar, leer, practicar. A partir de mi enfermedad comprendí que la vida era algo más, era la familia, los seres queridos, un amanecer, una buena comida, una buena charla, una buena lectura. Esa amplitud de miras fue la que me dio fuerzas para volver pero de otra manera, valorando las cosas que tenía alrededor y que antes me pasaban desapercibidas. La música sigue siendo mi gran afición y mi mayor ocupación, pero no la única.

2.- Si usted tuviera que citar tan sólo a un par de músicos que hayan inspirado su carrera musical ¿a quien citaría?

Sólo dos es imposible, no sería justo, pero podría decir que sin duda Wes Montgomery y John Coltrane han sido influencias muy importantes, pero no puedo dejar de citar a Jack McDuff y otros organistas que han marcado mi música.

3.-¿ Cuál es la formación con la que más le gusta tocar?

El trío con órgano, como la que presento esta noche es una de mis formaciones favoritas, porque fue una de las que más me marcó en mis comienzos, pero me siento cómodo en cualquier tipo de formación.

4.- ¿Qué guitarrista ha influido más en su carrera?

Wes Montgomery, pero hay muchos otros a los que me gusta escuchar.

5.- ¿Cuál es su compositor favorito?

Escucho mucha música de todo tipo, clásica, rock, étnica, jazz por supuesto, pero encuentro cada día más música que me gusta y me sorprende.

6.- Su dinámica es muy potente, su ataque a las cuerdas es muy poderoso, al estilo clásico, pero últimamente está tocando con una guitarra sólida, es algo sorprendente.

Bueno, yo aprendí a tocar con las clásicas guitarras de jazz de caja y eso condicionó mi aprendizaje y mi técnica. Hoy en día la electrónica facilita mucho las cosas y puedo seguir tocando con mi técnica de siempre y obtener el sonido que me gusta. Cuando me rehabilitaba de mi enfermedad empecé a tocar sintetizadores de guitarra y me estimulaban la curiosidad de encontrar nuevos timbres. No renuncio a experimentar aunque siempre vuelvo a mi técnica y a mi guitarra de caja. Por otro lado, la guitarra sólida es más cómoda para la gira (sonrie).

7.- ¿Dentro del jazz, cuál es su estilo favorito?

El hard-bop, cool y soul jazz.

En este momento Pat es requerido por su manager para preparar los prolegómenos del concierto, le damos las gracias y nos despedimos. Vamos raudos a ocupar nuestro asiento en el apretado aforo del Jimmy Glass.

El concierto estuvo a la altura de la expectación generada y el público así lo supo reconocer con apasionadas ovaciones y vítores, no sólo a Pat Martino sino también a Pat Bianchi y a Carmen Intorres Jr.

Hot Cool para Majazzine

Valencia, 17 de noviembre de 2013

Blue Jasmine

Blue-Jasmine-off

Woody Allen  – USA.-2013

por 2 Cabalgan Juntos

¿LA PELICULA MAS ANTIPÁTICA DE WOODY ALLEN?

Esta vez, al llegar al Río Pecos, los 2 que Cabalgan Juntos se separaron.

Uno pensaba que “BLUE JASMINE” era una película admirable, el retrato de una mujer imbécil pero desolada. La tragedia del expolio financiero en el origen de la mayor crisis económica que hayamos vivido (nosotros) en el rostro de Cate Blanchett. Óscar seguro a la mejor actriz y probablemente también para el guión de Allen. Maravillosa fotografía de “nuestro” Javier Aguirresarobe, con un sorprendente San Francisco -para tratarse de una película del conspicuo neoyorkino – y, como siempre, una maravillosa banda sonora en la que esta vez destaca el uso dramático de “Blue Moon” para puntear el descenso a los infiernos de la infortunada mujer que nunca supo quién pagaba la fiesta. Y éramos también nosotros.

El otro pensaba en cambio que se trataba de una película profundamente antipática y errada en su planteamiento dramático: el retrato de una mujer desolada pero imbécil. Una mal traída farsa sobre los Madoff y compañía que vivieron decididamente por encima de nuestras posibilidades. Una Cate Blanchett desorientada tratando de encontrarle la médula a un personaje errático en su escritura,  acompañada de un insufrible Alec Baldwin  como esposo- granuja- armario- ropero , cuya existencia estaba basada en el engaño las 24 horas del día y al que su esposa Jasmine amaba por su jovial despreocupación (quizá les suene). Su presunto descenso a los infiernos de la clase media-baja, representados por su media-hermana y su corte de blue collars, en un San Francisco amarillento en la mirada de Aguirresarobe ( o sería en la copia que él vió) y con un cargante subrayado musical con los tópicos habituales del viejo jazz que tanto gustan a Allen y a su clientela. Alguien dijo que era una adaptación camuflada del conflicto dramático nuclear que usó magistralmente Tennesse Williams en su obra “Un tranvía llamado Deseo”, donde Blanchet/Jasmine sería un trasunto de Blanche Dubois y Grace/Sally Hawkins, su  hermana, lo sería a su vez de Stella . Produce sonrojo la comparación, aún le pone la piel de gallina el grito desgarrado de Marlon Brando/Kowalski en la versión de Kazan: STEEELLAAA… (pese al manoseo de Almodovar en una de sus promociones).

Pero el Pecos no es un río profundo ni difícil de vadear y los jinetes se encontraron al caer la noche en una cantina donde, después de cenar y mientras tomaban tequila, vieron por televisión “Toma el dinero y corre” . LLoraron. Los dos.

BLUE JASMINE está nominada a 3 Oscars : Mejor Actriz , Cate Blanchett; Mejor Actriz Secundaria, Sally Hawkins y Mejor Guión para Woody Allen.

Después de conocerse las Nominaciones y en plena campaña de promoción, vuelven a los periódicos las oscuras historias de sus performances con la troupe infantil acumulada con su amiga, la sinatresca Mia Farrow, en los años de esplendor del Allenismo . WA  ha escrito una pausada carta al New York Times negándolo todo y aludiendo a una vieja canción de Dory Previn -ex que fue de André Previn antes de que Mia lo convirtiese también a la trashumancia-  titulada “Papá y yo en el ático” . Si es un chiste es mejor que el guión entero de “Blue Jasmine”. Si no lo es, maldita la gracia.

Mientras tanto alguien ha pedido que retiren su estatua de las calles de Oviedo. Blue Woody.

Pero hermoso. Un libro de jazz.

UN  LIBRO- Pero hermoso

PERO HERMOSO: un libro de jazz

Geoff  Dyer

Penguin Random House – 224 páginas – 16.90 Euros.

Y SIN EMBARGO, HERMOSO…

Geoff Dyer (Chetelham, 1.958)  ha escrito hasta ahora 4 novelas y varios libros que él mismo ha calificado como “desafía-géneros”. Publicó uno de éstos:  “But Beautiful : A book about jazz”,  en 1.991, ganó el premio Somerset Maugham . Hubo edición española en 1.997 (Amaranto)  y los buenos aficionados al jazz y a la literatura lo detectaron en sus radares , pero poco a poco la señal fue haciéndose más débil hasta acabar en el gran agujero negro de los libros descatalogados . Este mes de febrero de 2014 ha sido reeditado por Penguin Random House con Lester Young en la portada y traducción de Cruz Rodríguez Juiz . Cabe suponer que dos docenas de blogs de jazz lo celebren,  e incluso que venda mucho mejor que hace 17 años gracias a a la caja de resonancia de Internet. El radar ha extendido ahora su pantalla y pocos son los “objetos” –voladores o no- que queden fuera de su alcance. Contribuyamos a ello.

“PERO HERMOSO” es, claro,  una cita directa del clásico de Van Heusen & Burke de 1.947 “BUT BEATIFUL”,  y funciona como leitmotiv – con el añadido explícito de “un libro de jazz”-  de un contenedor que incluye un Prefacio (breve) en el que Dyer enseña sus cartas reconociendo que tuvo que improvisar hasta dar con la forma definitiva del libro : una colección de escenas de músicos de jazz en la que, alejándose de la crítica convencional, se adentra en la ficción. Así pasarán ante nuestros ojos Lester Young consumiéndose en un hotel frente al Birdland, Bud Powell hundiéndose majestuosamente en el Club Saint Germain,  Thelonious Monk pelando una naranja o pidiendo un vaso de agua a un recepcionista de hotel amedrentado, a Ben Webster tocando el saxo en un tren inglés, a Chet Baker perdiendo los dientes (episodio legendario que Dyer califica de “standard “ en su colección), a Mingus en Bellevue y disolviéndose bajo el sol mexicano, y a Art Pepper en la playa (aproximadamente) . Siete escenas ritmadas entre ellas por el relato intermitente e itinerante de Duke Ellington y Harry Carney recorriendo el país  en coche para llegar a una actuación, mientras Duke trata de fijar en cualquier sitio los ecos  de otros músicos sobre los que edificar una Suite Definitiva que contenga desde el grito de los esclavos hecho blues hasta la más sofisticada arquitectura modal…Es una lástima que sigamos en la ficción y esa Suite no exista. El libro incorpora un epílogo de 30 páginas, “Epílogo – Tradición, influencia, innovación” que, escrito también en 1.991 y con un inevitable aire datado, es un artefacto crítico bastante convencional, aunque aún valioso. Dice el propio Dyer : “…aunque brinda un contexto para interpretar el cuerpo central del libro, sigue siendo suplementario, no esencial” . Pues eso.

Hay también casi al final del libro un par de páginas dedicadas a las “fuentes”,   en las que reconoce haberse basado en su conjunto más en fotografías  (Reiff, Claxton, Leonard, Hinton…) que en fuentes escritas , enlazando así con una breve “Nota sobre las fotografías “ que sigue al Prefacio y en la que nos dice cómo las fotografías, las mejores, parecen prolongarse más allá del momento que describen permitiéndonos oír lo que acaba de decirse,ver lo que está a punto de ocurrir. Y sí, al final hay también una Discografía Seleccionada. El libro se abre con sendas citas de Adorno y Ernst Bloch que parecen casi una disculpa ante lo que se avecina. Complicado, en absoluto. Un libro de jazz.  Soy yo el que va hacia atrás y hacia delante.

El racismo , el ejército (Young), las salas de los hospitales psiquiátricos (Powell, Mingus…), las cárceles (Pepper), las adicciones, la música que surgía de esos abismos. ¿Pero hubo músicos de jazz felices? Es probable que sí pero no es de ellos de los que se ocupa Dyer en “Pero hermoso”. Les vemos en encrucijadas, derrotados, perdiendo su don y luchando por recuperarlo, saliendo de campo dejando el cigarrillo  humeante sobre una botella y el sombrero colgado en una maleta (maravilloso Young elíptico en la fotografía mítica). Y una inquietante teoría flotando en el libro, tanto en las viñetas sobre los músicos –que alternan tonos de balada clásica, blues y toda la gama de notas perdidas por esos grandes músicos extraviados . O no. Por que la que parece la tesis subterránea de “Pero hermoso” es dilucidar si en realidad hay “algo inherentemente peligroso en la forma del jazz” que conduce al naufragio a quienes lo tocan, al menos a los que lo hacen con una intensidad inusitada. Como el mismo Dyer dice jugando a la paradoja “¿Hay algo en la inexorable lógica de la poesía de Silvia Plath que la conduzca al suicidio?”

Pero amigo Dyer –y tú lo sabes perfectamente- el jazz no es solo una cuestión formal (aunque la forma acabe por asesinarte), se produce en un contexto determinado y se enrosca sobre si mismo ,autodeglutiéndose como la  vieja serpiente hindú, para renacer depurado, aún manchado por la sangre de los vencidos…y sin embargo, hermoso.

Bob Bebop

Carla Cook Quartet

Carla-Cook

Ciclo: Jazz a Castelló

Lugar: Casino Antiguo de Castelló de la Plana, España

Hora: 22:30 h

Intérpretes: Carla Cook (voz), Albert Bové (piano), Ignasi González (contrabajo) Jo Krause (batería)

Hot Cool. Castelló de la Plana

La presente edición de Jazz a Castelló abrió con la esperada actuación de Carla Cook. La Cook es una diva en su máxima expresión, pero no al estilo tradicional. Al igual que otras divas de la nueva era, tales como Casandra Wilson o René Marie, gusta del mestizaje, la fusión, la hibridación de estilos, la adaptación de canciones de pop, rock, folk, funk, soul, motown, latin, o de cualquier estilo o tendencia. Su versatilidad no conoce límites, al igual que su voz, la cual maneja con una pericia inusitada. Posee un registro vocal amplio, cálido, bien timbrado con muchos armónicos, además, atesora una paleta de colores tímbricos extensa, adaptándola sin titubeos ni dificultad alguna a las necesidades o exigencias del momento estilístico o interpretativo.

Su depurada técnica vocal no la constriñe ni le resta espontaneidad, naturalidad ni autenticidad, moviéndose entre lírica hasta el blues más desgarrado con total comodidad y maestría. Diestra en el arte del scat o improvisación vocal y danzarina racial, convence en cada diferente propuesta, transportando al espectador, sin solución de continuidad, de un escenario musical a otro completamente diferente sin aparente esfuerzo.

Nacida en la ciudad del motor, Detroit, Michigan (EEUU), comenzó cantando,  como tantas otras figuras del jazz vocal, en el coro de la Iglesia, en su caso la Metodista. Forjada en el rythm’n blues, rock, country, blues, música clásica y por supuesto en el jazz, no desdeña ningún estilo por extraño que sea para inspirarse y para interpretar.

Emigró a Boston para cursar el grado de Comunicación Verbal y allí integró diversas formaciones de jazz y estableció su propio negocio.

Pero la atracción de la escena neoyorquina era demasiado intensa como para ignorarla y en 1990 se mudó a la gran manzana, donde comenzó a dar conciertos para poder subsistir.

En 1998 la Cook suscribió un contrato con Maxjazz, un sello discográfico independiente con el que, en 1999, grabó su primer álbum “It’s all about love”, el cual recibió críticas muy favorables y con el que fue nominada al premio Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz. El disco fue premiado en el año 2000 como el mejor álbum en la modalidad de jazz vocal por la AFIM Indie Award.

Posteriormente grabó “Dem Bones” en 2000 y “Simply Natural” en 2002.

Su eclecticismo le lleva a interpretar canciones de Marvin Gaye, Simon & Garfunkel, Neil Young, entre otros, dándoles el justo toque jazzístico sin desvirtuar la composición original para mágicamente transformarla en un moderno standard con una naturalidad pasmosa.

Rompió el hielo el trío acompañante con una pieza instrumental que, sin mediar tregua, elevó súbitamente la temperatura jazzística del recinto, con un Albert Bover inconmensurable, al que no tardó en sumarse primero un Jo Krause espectacular y a la par finísimo -según los requerimientos interpretatívos- y un seguro e infalible Ignasi González. Los tres rayaron a una gran altura, proporcionando la adecuada base para el lucimiento de la estrella, pero también ofreciendo unas improvisaciones al más alto nivel.

La Cook no defraudó, tal como se esperaba cautivó al respetable desde el mismo comienzo de su intervención y no abandonó su velocidad crucero hasta el mismo final, en una singladura de hora y media, surcando y surfeando entre los diferentes estilos de su extenso, variado y ecléctico repertorio. A destacar su excelente interpretación de Estate, el inmortal standard de Bruno Martino, Simply Natural, Strong Man, Cançao do Sal, entre otras tantas que cautivaron al respetable quien premió a la vocalista con calurosos vítores y aplausos a lo largo de todo el recital.

Un lujo para los asistentes a un concierto gratuito en el improvisado club de jazz en el que se convierte el “salón de la chimenea” del Casino Antiguo de Castelló de la Plana.

Larga vida a Jazz a Castelló.

Fabien Mary Quartet

Fabien-Mary-2

Ciclo: Jazz a Castelló

Lugar: Casino Antiguo

Dia:  15 de noviembre de 2014

Hora: 22:30 h

Entrada gratuita

Intérpretes: Fabien Mary (trompeta), Fabio Miano (piano), Ignasi González (contrabajo) Esteve Pi (batería)

Hot Cool. Castelló de la Plana

La segunda jornada del ciclo Jazz a Castelló 2014 acogió al trompetista normando Fabien Mary. Nacido en 1978, es hoy en día uno de los trompetistas más solicitados en la esfera jazzística internacional. Ha tocado y grabado con un elenco de artistas de lo más florido, tales como Johnny Griffin, Diana Krall, Harold Mabern, Wynton Marsalis, Archie Shepp, Benny Golson, entre otros muchos.

Comenzó estudiando en el conservatorio de Evreux a la edad de ocho años. En el año 2000 se enroló en la Paris Jazz Big Band. En 2002 grabó su primer registro como líder “Twilight”, en 2005 grabó “Chess”, su segundo álbum y en 2008 apareció su tercer disco “Four and Four”.

En 2008 se instaló en Nueva York, donde ofreció numerosos conciertos y editó en  2010 su cuarto registro “Quartet + One”.

En septiembre de 2011 Fabien regresó a París, donde grabó su quinto álbum “Conception”.

En esta ocasión se presentó acompañado por Fabio Miano, excelente pianista con un extenso curriculum como líder y acompañante; Ignasi González, contrabajista, presente en las formaciones más prestigiosas que giran en nuestro país y Esteve Pi, baterista que se ha consolidado como uno de los mejores europeos.

Dotado de una excelente técnica, Fabien Mary, atesora en su lenguaje jazzístico una completa gama de matices extraídos de entre las raíces más profundas de su especialidad instrumental. A pesar de su juventud, su discurso es el de un veterano, un maestro consagrado, que por momentos evoca reminiscencias de Miles Davis, Dizzy Gillespie, Clifford Brown, Wynton Marsalis, entre otros grandes maestros de su instrumento. Si se pudiera admitir el término académico dentro del jazz, Fabien Mary lo personificaría.

El concierto comenzó con “Short Story” de Kenny Dorham, en donde dejó muy clara cuál iba a ser su hoja de ruta, a caballo entre el cool y el bebop. A continuación presentó So Nice de Elmo Hope, un mid-time muy cool. Siguió con Is that so? de Duke Pearson como lanzadera hacia The Champ, de Dizzy Gillespie, tras la que reposó sobre los acordes y el tempo de Ask me now de Telonious Monk, Con Alma prolongó la calma instaurada, en la que volvió a resurgir el genio de Dizzy Gillespie. Ceora, la bella bossa nova de Lee Morgan, impregnó el concierto de sabor latino que subió de intensidad con Nica’s dream de Horace Silver. En Ow! de Count Basie surgió el swing en forma de rythm. El concierto concluyó con Jean de Fleur del gran guitarrista Grant Green.

Fabuloso concierto, un nuevo éxito artístico y de convocatoria que llenó la sala del Casino Antiguo de Castellón y que la audiencia supo reconocer y agradecer. El presente ciclo de Jazz a Castelló está congregando a grandes artistas y ofreciendo una calidad inmejorable con la entrada gratuita, un logro que merece un reconocimiento hacia los organizadores y patrocinadores.

Horacio Fumero Trío

HORACIO FUMERO TRÍO

Horacio Fumero

ALTOS VUELOS

Concierto: Horacio Fumero Trío

Hot Cool. Vila-real

Ciclo: Avui Jazz. Auditori de Vila-real. 23:00h

Músicos: Horacio Fumero, contrabajo; Mariano Lolácono, trompeta; Joan Monné, piano

La primavera ha atraído a las primeras aves canoras que recalaron en el Auditori de Vila-real y ofrecieron el concierto del trío liderado por el contrabajista Horacio Fumero. Argentino de nacimiento (Cañada Rosquín, 1949) y catalán de adopción, Horacio Fumero es uno de los contrabajistas más valorados y respetados en Europa, dónde se “posó” junto a un gato, el Barbieri, en el año 1973 para participar en el festival de Montreaux. Pero Horacio no fue un ave de paso, sino que anidó en Ginebra y más tarde, en 1980, se mudó a un habitat más cálido, dónde de la mano o bajo el ala, elija el lector, de Tete Montoliu instaló su residencia en Barcelona hasta la actualidad. Tete incubó y vio crecer a este polluelo hasta que se  convirtió en el águila imperial que surca el firmamento de los diferentes paisajes musicales que constituyen su diverso hábitat natural.

Fue avistado por última vez surcando el auditorio de Vila-real en la noche del viernes 4 de abril, en compañía de otros pájaros de buen agüero que le escoltaron en el concierto en el que presentó su último disco denominado “Vuelos” en el que cada tema está dedicado a un tipo de ave oriunda de su tierra natal, concretamente fue liberando de forma ordenada al Chimango, la Torcacita, el Tero Tero, la Cigüeña, el Chajá, las Golondrinas, el Carancho, el Tordo y el Ñandú, transformando el auditorio en un aviario en el que cada ejemplar competía por ofrecer el mejor de sus cantos.

Esta obra discográfica contiene una mescolanza de profundas raíces asentadas en estilos oriundos junto con retazos de jazz, blues y un mosaico de melodías y armonías construidas desde la ingente creatividad y la vasta cultura musical de Horacio Fumero. Nadie se sorprende ya del arte y el aplomo de este respetado contrabajista y compositor, tampoco del buen hacer del excelente pianista catalán Joan Monné ya que ambos han visitado – y esperamos que lo sigan haciendo – con asiduidad los escenarios de nuestra provincia, pero si que constituyó una agradabilísima sorpresa el trompetista argentino Mariano Lolácano, un valor en continuo crecimiento y del que oirán hablar mucho en el futuro. Con un estilo impecable, arraigado en las influencias de Wynton Marsalis, Miles Davis, George Garzone, Louis Armstrong, entre otros y con una dicción y lenguaje ricos y extensos, Mariano embelesó al respetable.

Fue un concierto de altos vuelos, en ocasiones acrobático, en otras majestuoso como el del cóndor, pero siempre armónico, siempre con un rumbo definido, siempre a favor de corriente.

Ojalá que estas aves precursoras de primavera ahuyenten a los pájaros de mal agüero, y que la cultura en general y el jazz en particular renazcan de entre sus cenizas cual ave fénix y remonten un vuelo que nunca debieron abandonar.

Eladio Reinón Quartet

ELADIO REINÓN QUARTET

Eladio Reinón

Hot Cool

Auditori de Vila-real, Castelló de la Plana, España

7 de febrero de 2014, 23:00 h

Ciclo Avui Jazz

Músicos: Eladio Reinón, saxo tenor; Albert Sanz, piano; Max Salinger, contrabajo; Stephen Keogh, batería

Estaba programado un concierto a cargo de la cantante británica Tina May como líder, pero problemas de salud le impidieron acudir a la cita. A cambio contamos con la presencia de Eladio Reinón, con los “siders” originales de Tina, el extraordinario baterista Stephen Keogh, el creciente valor del teclado bicolor, el paisano Albert Sanz y un bisoño norteamericano de Boston, Max Salinger.

Se esperaba pues que asumieran el mando en plaza tanto Albert como Stephen, pero el curso del concierto se encargó de alterar las expectativas del respetable. Albert Sanz se fundió en un segundo plano junto con el rokie contrabajista Max Salinger. Stephen, un fino estilista en todas las lides rítmicas jazzísticas no defraudó y estuvo a la altura a la que nos tiene acostumbrados. Eladio, en cambio, con una discreción digna de un ujier, dejó que su música se encargara de engrandecer su menuda figura. Su ortodoxa y meliflua dicción cercana a la de Paul Desmond, producía el espejismo de estar escuchando a un saxo alto antes que un saxo tenor, lo cual satisfaría a los más exigentes diletantes desmonianos y getzianos.

El discurso transcurrió entre conocidos standards de jazz como Stables mates, de Benny Golson, Cheese Cake de Dexter Gordon o Syeeda’s song flute de John Coltrane, boleros como “Tres Palabras” de Oswaldo Farres y composiciones propias de Eladio Reinón como un blues-rumba homenaje a Charlie Parker.

Lo que al principio pareció un cumplido de Albert Sanz para salir del atolladero y contentar al público “Uno de los grandes saxofonistas de jazz de este país”, se fue fraguando como una realidad tangible con el transcurrir del concierto.

Keogh no le anduvo a la zaga a Reinón y desenfundó todas sus artes percusivas con la precisión y gusto a las que nos tiene acostumbrados. Sanz fue disponiendo junto con Salinger y Keogh un firme sobre el que se deslizaba Reinón sin aparente esfuerzo y sin aspavientos, más allá de los necesarios para hacer hablar a su instrumento en un lenguaje que conocemos todos: jazz.

El concierto no fue el único acto cultural que ofreció el ciclo Avui Jazz en la noche del pasado viernes, sino que estuvo acompañado por la exposición de fotografías de jazz en la casa del Oli y la edición del libro de la presente temporada con los comentarios del prestigioso crítico Bob Bebop y fotografías de los miembros de la agrupación fotográfica Sarthou Carreres.

Roger Mas Quintet

 ROGER MAS QUINTET

Roger Mas 2

Hot Cool

Vila-real, Castelló de la Plana, Españal

Auditori de Vila-real

Dia 7 de marzo

Hora 23:00

Músicos: Roger Màs, piano;  Raynald Colom, trompeta; Santi de la Rubia, saxo tenor; Deejay Foster, contrabajo; Jo Krause, batería.

El quintento liderado por el pianista y compositor Roger Màs presentó en primicia su último trabajo discográfico titulado AMEBA, que está a punto de salir al mercado. Este registro que nació como un cuento infantil, es una alegoría musical que nos transporta a través de los mares del planeta de la mano, mejor dicho, de la aleta y los pseudópodos de una ballena y una ameba, respectivamente. Roger Más entrega su sello personal en forma de bellas y maduras composiciones aderezadas por la recreación individual de cada uno de los músicos de la formación, dejando cada uno su propia impronta.

Màs, que tiene una dilatada carrera como jazzman, ha colaborado con músicos de la talla de Perico Sambeat, Carles Benavent, Marc Ayza, Marc Miralta, Eladio Reinón, Horacio Fumero, Joe Magnarelli, Gorka Benitez, etc. Ha conseguido numerosos premios y galardones, tanto como concertista como compositor.

El concierto transcurrió entre los temas de Ameba, pero hubo espacio para algún standard como Round Midnight de Thelonius Monk en un mano a mano entre Roger y Raynald,  Melancholia de Duke Ellington y Naima de John Coltrane en el que Santi de la Rubia hizo gala de su exquisito fraseo.

Por su parte Jo Krause y Deejay Foster armaron un entramado rítmico sólido y sobrio, no desprovisto de brillantes destellos solistas cuando se presentó la ocasión.

Una brillante presentación de AMEBA, el disco que arribará a nuestras costas en breve y que es merecedor de un lugar destacado en nuestra discoteca.

Hot Cool

Concierto de Bernstein – Marco Trío

Bernstein-Marco-trio

CONCIERTO

BERNSTEIN – MARCO TRÍO, PURO COOL

Hot Cool para MZZ, Benicàssim

El pasado jueves, día 19 de diciembre, con el patrocinio del Ayuntamiento de Benicàssim, tuvo lugar en el teatro municipal un extraordinario concierto de jazz a cargo del trío integrado por Peter Bernstein, Fernando Marco -ambos guitarristas- e Ignasi González, contrabajista.

Peter Bernstein es hoy en dia uno de los más prestigiosos guitarristas de jazz a nivel mundial, para muchos el número uno. Su carrera, a pesar de su juventud, está plagada de éxitos y reconocimientos por sus numerosos conciertos y registros discográficos tanto como líder como acompañante de los más exitosos jazzmen del planeta. Discípulo de Ted Dunbard y el recientemente fallecido Jim Hall, es un fiel heredero del más puro estilo cool, dando continuidad a la larga dinastía de grandes guitarristas tales como Wes Montgomery y el propio Jim Hall, por citar a dos de los más conocidos.

Fernando Marco es un producto de la tierra, con las mismas referencias estilísticas que Bernstein y que en su dilatada carrera ha liderado sus propias formaciones, así como ha compartido escenario con grandes jazzmen, como Louis Stewart, Tete Montoliu, Eddie Palmieri, Dave Mitchell y MC Sextet, entre otros.

Ignasi González, contrabajista, es acompañante habitual de las grandes estrellas del jazz cuando giran por nuestra geografía, su lista de colaboraciones es tan larga que sería ocioso mencionarla, Ignasi es realmente un acompañante de lujo.

Este tipo de trío, sin ser atípico, no es muy habitual y menos aún con la calidad del que hoy nos ocupa. Por su peculiaridad tímbrica exige de los guitarristas una complicidad y una coordinación impecables, para no enmascarar ni suplantar los respectivos papeles de solista y acompañante y aquí, tanto Bernstein como Marco demostraron mucho oficio y maestría, dialogando con una cortesía y estilo exquisitos con la moderación del contrabajo, cuyo papel armónico-rítmico adquiere un papel crucial en este tipo de formación, pero además aportó su interlocución en la mayoría de los temas intercalando o apostillando la conversación de las cuerdas.

Desde el primer tema “I should care”, Bernstein elevó el listón de la conversación a la cima de ortodoxia y erudición, cota al alcance de pocos y allí estuvo Marco sosteniendo el diálogo con la frescura de sus réplicas en el dialecto que más les gusta a ambos, el Cool y así prosiguieron sin decaer ni un ápice a través de temas tan propicios como los conocidos “Stella by starlight”, “Body  and soul”, “Yesterdays”, “I love”, “Star eyes”, “There is no greater love” y “Blues en Bb”.

Un lujo de concierto que no dejó indiferente al entendido público que se dio cita en torno a estos tres virtuosos en una fría y lluviosa tarde otoñal.