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Charlando con Eri Yamamoto

Eri Yamamoto nació en Osaka, Japón, comenzó a estudiar piano a los tres años y a los 8 años ya componía su propia música. Estudió viola, canto y composición. En 1995 mientras visitaba como turista la gran manzana experimentó un flechazo musical cuando escuchó en directo a Tommy Flanagan y no necesitó más tiempo para decidir que quería dedicarse al jazz. Pronto se mudó a Nueva York y profundizó en su formación musical jazzística asistiendo a prestigiosos centros de enseñanza con profesores como Reggie Workman, Junior Mance, and LeeAnn Ledgerwood. Desde entonces, Eri Yamamoto emprendió una imparable carrera musical, tanto como intérprete como compositora, que la ha elevado a las más altas cotas de consideración tanto por parte del público como de la prensa especializada.

Majazzine: ¿Cuando empezaste a interesarte por la música?

Eri Yamamoto: Cuando tenia tres años empezé mis estudios de piano, todos mis amigos estudiaban piano y yo quería estudiar lo mismo.

MJZZN ¿Qué persona te impulsó/motivó a estudiar música?

E.Y. No una  sino varias personas, cuando tenia 8 años, yo empezaba a componer música, descubri que cada nota tenia su propio color, componer fue la mejor manera de expresar mis sentimientos.

MJZZN ¿Cómo y cuando te interesas por el jazz?

E.Y. Hace 21 años paseando por NY como turista escuché a un trio de jazz en directo, al momento sabia eso es lo que quería hacer en el futuro, un mes después estaba en NY

MJZZN ¿Por qué elegiste tu instrumento?

E.Y. Es mi primer instrumento

MJZZN ¿Cuales son tus principales influencias musicales?

E.Y. Es imposible decir una persona, es el jazz en general

MJZZN Si no tocaras este instrumento cual tocarías?

E.Y. El  piano es mi instrumeto preferido

MJZZN ¿Qué le recomendarías a un principiante en tu instrumento?

E.Y. Ser como una esponja y absorber todo lo que oigas

MJZZN ¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su técnica?

E.Y. Descubrir su propia personalidad en la musica

MJZZN ¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su lenguaje?

E.Y. Transcribir solos de los grandes músicos y tratar de conseguir tu propia personalidad

MJZZN ¿Con qué estilo te sientes más a gusto?

E.Y. Con mi propio estilo

MJZZN ¿Quienes son tus intérpretes favoritos?

E.Y. Miles Davis y muchos otros

MJZZN ¿Quienes son tus compositores favoritos?

E.Y. Bartok

MJZZN Podrías recomendar un disco?

E.Y. Paul Bley: Footloose

MJZZN ¿Cuales son tus hobbies?

E.Y. Cocinar y comer

MJZZN Cuéntanos cualquier cosa que te apetezca, siéntete libre de expresarte.

E.Y.  Me gusta estar con mis amigos y mis familiares y comer juntos

 

 

 

 

 

 

 

Dmitry Baevsky – Somethin’ Special

Portada final web

Suena “Cheese Cake” (Dexter Gordon). El timbre es el de un saxo tenor. Pregunto extrañado al productor y ¡oh sorpresa, es un saxo alto! ¡Me la dió con queso! Escudriño críticas y verifico que cualificados críticos sucumbieron también a su impostura. Me reconcilio con mi autoestima y reafirmo mi admiración por Baevsky.

El sonido de Dmitry es cálido, grueso, oscuro, con una rotunda presencia y un timbre lleno de armónicos.

En el presente trabajo, ha elegido un variado ramillete de standards que van mucho con su estilo.

Comienza con Somethin’ Special, (Sonny Clark), jugando al embuste con el timbre de su saxo, y con la estructura del tema que comienza como un blues menor, para sorprendernos con un interludio a ritmo ternario. En el tema dialogan locuazmente piano, batería y contrabajo.

Sigue un mid-time swing con Fools rush in, (Mercer-Bloom), con un tono y un fraseo más vivo y más alegre, en consonancia con el título del tema.

En el siguiente corte Cheesecake, perfectamente instalado en el lenguaje de Dexter Gordon, Dmitry nos ofrece una magistral versión, sin abandonar la onda Gordoniana pero esgrimiendo sus propios argumentos. Un estupendo solo de Fabio Miano y unos compases de alternancia entre breaks y obstinato conducen a un fantástico solo de batería de Joe Strasser.

La cuarta pista rebaja la tensión rítmica, que no la emocional, con un sentido Lament (J.J. Johnson), dónde Baevsky muestra su sensibilidad y su delicadeza enhebrando nota a nota esta preciosa balada.

En quinto lugar aparece Eclypso (Tommy Flannagan), un calypso, para entonar el ánimo. Toma la voz el piano para entregarle el testigo al saxo. El ágil fraseo de Baevsky, a caballo entre el hard y el latin, invita a participar al contrabajo y a la percusión, la cual deja bien patente que ningún ritmo le es ajeno.

Una vez puestos, ¡para qué parar! parece proponer Dmitry con The end of a love affair (Edward Redding) en sexto y lugar, con un guiño latin final.

En séptimo y último lugar aparece I thougt about you (Jimmy Van Heusen). El tema debuta como balada flotando entre subtonos, pero muta en un mid-time swing con un fraseo fresco y fluido, invitando a participar en la conversación al piano y al contrabajo.

En conclusión, un gran disco de un gran virtuoso del saxo…¿alto? Que sí, alto, acompañado de unos grandes intérpretes.

Hot Cool para Majazzine.

Entrevista: Ricardo Belda

Ricardo-piano-3Contradiciendo a lo que pregona la famosa canción “Como hemos cambiado”, que tantas veces habrá interpretado en sus giras con Presuntos Implicados, Ricardo –afortunadamente- no ha cambiado desde que nos conocimos hace ya unos cuantos años. Sigue atesorando esas mismas cualidades que te hacen sentir cómodo en su compañía. A pesar de su grandeza como músico, sigue siendo una persona humilde, modesta, próxima, sosegada, comedida.

Discípulo aventajado de Joshua Edelman, este valenciano ha crecido como músico entre zarzuelas, boleros, música sacra, rock, pop y finalmente el jazz en el que se ha nutrido de forma ecléctica de los grandes del género. Ricardo es un todoterreno que no denosta ningún estilo pero es en el hard bop donde se siente más a gusto.

Ha ejercido de líder y de sider con grandes intérpretes del jazz, pero también ha sido uno de los bastiones del famoso grupo Presuntos Implicados, con los que ha girado por todo el mundo. También ejerce la docencia y la dirección de big bands.

El trío es el formato en el que se siente más cómodo y no deja de elogiar, respetar y admirar a sus amigos y compañeros Lluis Llario y Felipe Cucciardi, con quienes ha compartido escenario en innumerables ocasiones.

Planteo la entrevista en clave de tertulia y continuamente tengo que moderarme a mi mismo, Ricardo deja hablar, y a mí que no me gusta…

La banda sonora de la cafetería no es muy adecuada para la ocasión: éxitos del momento intercalados con los de otros momentos, como por ejemplo “Como una ola “ de Rocío Jurado, distraen continuamente mi atención (que no la de Ricardo). Llámame “tiquismiquis”, pero se me hace difícil hablar de Miles Davis, McCoy Tyner, Tete Montoliu, Bill Evans, Thelonious Monk etc. con esa música de fondo, que me perdonen los rociistas y los momentistas.

Por fin sirven la consumición y nos centramos en la entrevista:

Majazzine: ¿Cuándo empezaste a interesarte por la música?

Ricardo Belda: Aproximadamente a la edad de 6 – 7 años. Mi padre era un gran melómano, sobre todo le gustaba la zarzuela y los boleros. En casa teníamos un piano que me llamaba mucho la atención y esta conjunción de factores despertaron mi interés por la música en general y por el piano en particular.

M: ¿Cómo y cuándo te interesas por el jazz?

RB: A los 16 años asistí a un concierto de Tete Montoliu que dejó en mi una profunda huella.

M: ¿Por qué elegiste el piano como instrumento?

RB: Como ya te he dicho antes, el piano que había en casa me atraía sobremanera, pero un buen día el viejo piano dejó de funcionar y no tenía arreglo posible. En esas circunstancias me interesé por la guitarra e hice mis pinitos con ella. Pero mi afinidad por el piano nunca desapareció, y se vio reforzada por el hecho de que en el colegio empecé a estudiar órgano con 12 años y poco a poco y tras el detonante del concierto de Tete Montoliu fui decantándome por mi actual instrumento, el piano.

M: ¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

RB: De niño me impactó el descubrimiento de los Beatles, esos sonidos, esas armonías, llamaron poderosamente mi atención, era algo diferente y atractivo y creo que a partir de ese momento empecé a pensar que mi futuro podía pasar por dedicarme a la música profesionalmente.

Posteriormente, son dos los hitos que me marcaron definitivamente, el citado concierto de Tete Montoliu y un concierto de McCoy Tyner al que asistí en Terrassa, fueron dos auténticas revelaciones musicales e instrumentales.

M: Si no tocaras el piano ¿qué instrumento te gustaría tocar?

Algún instrumento no solista, como el contrabajo o la batería

M: ¿Qué le recomendarías a un principiante en tu instrumento?

RB: Que escuchara mucha música, sobre todo jazz y que asistiera a clase con un profesor, que además de docente fuera intérprete. Creo que un buen docente es mejor docente si está en activo como intérprete.

M: ¿Qué le recomendarías a un pianista para mejorar su técnica?

RB: Aparte de la recomendación anterior, la de asistir a clase con un buen profesor, que se ejercitara en el control de su musculatura, en evitar tensiones innecesarias, en tocar con la mayor relajación posible. Aparte de mejorar la técnica previene lesiones.

M: ¿Qué le recomendarías a un pianista o a cualquier músico para mejorar su lenguaje?

RB: Transcribir solos de aquellos intérpretes que sean de su gusto. No hace falta hacer transcripciones completas de solos, basta con comenzar por pequeños motivos para ir asimilándolos e incluirlos en su léxico y su estilo.

M: ¿Quiénes son tus intérpretes favoritos?

RB: Uf! Son muchos, pero si tuviera que elegir, por ejemplo, una terna, te diría Herbbie Hancock, Bill Evans y McCoy Tyner.

M: ¿Quiénes son tus compositores favoritos?

RB: Bueno, aquí estamos en las mismas, pero elegiré a los tres primeros que recuerde: Thelonious Monk, Henry Mancini y Duke Elllington.

M: ¿Qué disco recomendarías?

RB: Kind of Blue.

Nota de Majazzine: Aquí surgió espontáneamente una tertulia del que se ha considerado el pináculo de los registros sonoros del jazz, sesgada, lógicamente hacia su instrumento, personificado por Bill Evans. Comentamos también el chasco que se llevó el pianista Wynton Kelly, quien en aquel momento era el pianista estable del grupo de Miles y al llegar al estudio se enteró de que el que iba a grabar era Bill Evans, aunque finalmente Kelly grabó el tema Freddie Freeloader. También hablamos de la autoría de Blue in Green que se la atribuyó Miles Davis, pero que en realidad fue compuesto por Bill Evans, etc., en fin, transcirbir el contenido de lo que hablamos de Kind of Blue, sería excesivamente ocioso e iterativo ¿Qué no se ha dicho de esta obra maestra y de sus intérpretes?

M: Háblanos de tus aficiones extra-musicales.

RB: Practico deporte, en concreto la natación y la carrera –qué raro, no haya empleado el término running– la natación en verano y la carrera en invierno. Otra de mis aficiones es la lectura.

M: ¿Nos recomiendas algún libro?

RB: Sí claro, por ejemplo “La Tregua” de Mario Benedetti. En el ámbito del jazz recomendaría la biografía de John Coltrane.

M: Siéntete libre de comentar cualquier cosa.

RB: Bueno, invitaría a las personas a las que dicen que no les gusta el jazz a que asistieran a algún concierto y que decidieran después.

Bueno, hasta aquí la entrevista en su parte más formal.

Hubo infinidad de incisos en los que hablamos de muchos músicos, pero con dedicación especial a la figura de Wes Montgomery por su originalidad y maestría. Anécdotas múltiples que darían para una serie de entrevistas, pero la de hoy finaliza aquí.

Gracias Ricardo por tu generosidad y por tu maestría y sigue regalándonos los oídos y honrándonos con tu amistad.

Hot Cool para Majazzine.

Mark Wade – Event Horizon

Mark Wade Horizon EVENT HORIZON

Intérpretes: Mark Wade, contrabajo; Tim Harrison, piano; Scott Neumann, batería

Fecha de publicación: 17 de febrero de 2015

Editado por Mark Wade Music

Desde que Bill Evans grabase con Scott Lafaro y Paul Motian los famosos discos en directo en el Village Vanguard de Nueva York, el concepto de trío de piano ha cambiado, sobre todo por la aportación como instrumento melódico que desarrrolló Lafaro. El contrabajo deja de ser un instrumento de acompañamiento y adquiere personalidad melódica propia, compitiendo con el piano en el desarrollo de los temas.

En este CD Mark Wade, partiendo de estas premisas, llega a desarrollar sus excelentes composiciones acompañado de dos grandes músicos: Tim Harrison al piano, y Scott Neumann a la batería.

Mark, Tim y Scott pertenecen a esa generación de músicos con una amplia formación que les permite sentirse cómodos en la politonalidad y la polirritmia, algo que no está al alcance de todos.

Abre el disco el vals Jump for Joy, el cual da paso a la tranquila balada Cold Spring, prolegómeno del estallido en Twist in the wind, al cual le sigue Tossed, en clave afro-cubana, tras el que relaja nuevamente el tono en la balada Apogee, antesala de Singsong, un tema carente de melodía con un motivo que, a modo de argamasa, sostiene el tema de principio a fin.

El único tema ajeno en el disco es If only had a brain, obra del prolífico compositor neoyorkino Harold Arlen

El título Event Horizon sugiere –en palabras del propio Mark Wade- aquel lugar, momento o situación donde algo puede suceder y hace referencia a que este disco es la lanzadera de su carrera como solista.

Mark reconoce que la inspiración de los temas que componen el actual trabajo discográfico ha sido la musicalidad de sus compañeros de aventura.

Tim Harrison, nacido en Nottingham (Inglaterra), es un excelente pianista quien, junto con Scott Neumann, natural de Bartlesville (Oklahoma), conforman junto con Wade un excelente trío.

Mark Wade (Livonia, Michigan, 1974) comenzó de forma autodidacta a tocar el bajo eléctrico a los 14 años. En la Universidad de Nueva York estudió con Mike Ritchmond, a quien considera su mayor influencia, junto con Ray Brown, Paul Chambers y Scott LaFaro.

Mark Wade ha compaginado la música clásica con el jazz en diversas y reputadas formaciones.

Asimismo, Mark Wade dirige New Music Horizons, una organización fundada en 2014 para promover los trabajos de los compositores noveles tanto de música clásica como de jazz

De vuelta al trabajo discográfico de Mark Wade que hoy presentamos, y a modo de epílogo, afirmamos que es un magnífico disco, con magníficas composiciones, excelentes músicos, evidencia que queda patente en sus excelentes interpretaciones y también es un excelente registro cuya grabación, edición y masterización cuidan al máximo detalle la cualidad tímbrica y dinámica de cada instrumento.

Totalmente recomendable.

Majazzine

Viernes sin ritmo – Jazz al Pati de Les Aules

OLYMPUS DIGITAL CAMERANos acompañó todo el mes de septiembre, pero ha sido cambiar la hoja del calendario, llegar el mes de octubre y los instrumentos enmudecer. Se ha hecho el silencio en el Pati de Les Aules pero el jazz sigue acompañando en su día a día a todos los que pusieron la banda sonora a los viernes de septiembre. Los responsables de que los aficionados a la música nos enamoráramos del jazz tienen nombre y apellido: Celia Mur, Julio Montalvo, Fernando Marco, Luis Llarío, Diego Clanchet, David Philips, Dave Mitchell, Felipe Cucciardi, Ricardo Belda, Lucho Aguilar y Franco Baggiani. Son los culpables de “engancharnos” al mejor vicio de todos: La música.

 

La guitarra, el contrabajo, la batería, el piano, el trombón, la trompeta y la voz han sido las armas que estos maestros de las notas musicales han empleado para conseguir que les echemos de menos. Hay que reconocer que su talento no ha dejado indiferente a nadie. El público que hasta allí se acercaba sabía que ante sus ojos tendría a grandes profesionales que, amenazara lluvia o no, se iban a dejar el alma en el escenario. Los aplausos que recibieron fue el agradecimiento de un público que se entregó a su música para poner punto y final a una semana de trabajo, y dar la bienvenida, a ritmo de jazz, al fin de semana.

 

El tiempo pasa muy deprisa, eso a veces es bueno, pero las esperas siempre se hacen largas. Habrá que esperar hasta el año que viene para que el Pati de Les Aules vuelva a sonar. La cuenta atrás ya ha comenzado, ese es el mejor consuelo, porque como dijo el filósofo alemán Nietzsche: “ Sin música la vida sería un error”. ¡Ya queda menos!

Jimena Bañuelos

http://auntengolavida.es/

Concierto Celia Mur Quartet

 OLYMPUS DIGITAL CAMERADía: 18 de septiembre de 2015

Lugar: “Pati de les Aules”, Castelló de la Plana

Ciclo: “Jazz al Pati de les Aules” con el patrocinio de la Diputació de Castelló.

Músicos: Celia Mur, voz; Ricardo Belda, piano; Lucho Aguilar, contrabajo; Diego Clanchet, batería.

El pasado 18 de septiembre, con el patrocinio de la Diputación de Castellón y la organización de Blau Records, tuvo lugar el concierto de Celia Mur quartet, dentro del ciclo “Jazz al pati de les aules”.

La cantante granadina asentada en Valencia tiene una dilatada carrera como vocalista dentro del género. A su innato talento se le une una depurada técnica con la que transita por un amplio registro y merced a su refinado gusto recrea los grandes standards del jazz haciéndolos suyos, pero a la vez respetando y dejando traslucir el ADN de las grandes divas que los hicieron famosos. Dominadora de la técnica de improvisación vocal, también conocida como scat, no duda a la hora ofrecer estupendas improvisaciones en cualquier estilo o tempo. Celia Mur es una cantante muy respetada y querida por el público de Castellón, donde ha ofrecido grandes conciertos a lo largo de su carrera.

En esta ocasión nos obsequió con un escogido ramillete de standards entre los que se encontraban “Tha’ts all”, “Nature Boy”, “I’m in the mood for love”, “Fallin’ in love with love”, “Chega de saudade”, “Moonlight in Vermount”, “Billie’s Blues”, “Poinciana” y el eterno bolero “Bésame mucho” en el que fusionó con éxito el jazz latino con el flamenco y en el que además aprovechó para homenajear a uno de sus más fieles escuderos, el contrabajista Lucho Aguilar, con quien ha compartido escenario y grabaciones en innumerables ocasiones. Celia, entre bromas y veras, por un momento transformó el conocido bolero en “Bésame Lucho” arrancando un casto ósculo de su compañero, a la par que la sonrisa y el aplauso del respetable, quien sobradamente complacido no dudó en premiar a ambos con prolongadas y sonoras ovaciones.

Celia estuvo magnífica durante toda la velada, daba igual el registro, el estilo, el momento, modulando su fantástico instrumento, su voz, con una naturalidad y una facilidad pasmosa, mutando entre la dulzura y la dureza sin aparente esfuerzo ni dificultad.

Además de Lucho Aguilar, quien aparte de co-pilotar con prestancia, creatividad y firmeza las secciones rítmica y armónica, ofreció destacados solos de improvisación en la mayoría de temas, completaban el elenco un pletórico Ricardo Belda en el piano, un lujo para cualquier formación, por su seguridad, musicalidad y creatividad, no únicamente en los solos de improvisación, sino en cada nota que pulsa en cualquier momento y situación, un grande del jazz que por más ocasiones en que nos visite nunca nos cansaremos de escuchar. Y finalmente, Diego Clanchet, el gran baterista castellonense, apuntaló e hizo fluir el ritmo, seguro e inspirado toda la velada, redondeó una maravillosa sesión de jazz en un marco acogedor como es el “Pati de les Aules”, escenario del ciclo que patrocina la Diputación de Castellón y que constituye un hábitat inmejorable para este tipo de eventos.

Castelló de la Plana

Hot Cool para Majazzine.

Entrevista a Bruce Barth

Bruce-Barth-&-Steve-Wilson_0761bisBruce Barth ha recalado varias veces en nuestras latitudes y aprovechamos la ocasión de una comida con el resto del cuarteto de Charles McPherson, en Benicàssim, España, para entablar una entrevista con este magnífico pianista y compositor norteamericano.

Breve reseña biográfica

Intérprete y compositor reconocido, es admirado y respetado por el público y la prensa especializada. Ha integrado innumerables formaciones, tanto como líder como sideman de lujo.

Nació en Pasadena, California, en el seno de una familia musical. Cuando tenía ocho años, su familia se mudó a New York, donde estudió piano y música con Tony y Sue LaMagra.

Su hermano Rich, en su decimoquinto cumpleaños le regaló un disco de Jazz “Mose Allison’s Back Country Suite”, el cual le dejó embelesado y motivado para tocar aquella música. Fue cuando empezó a imitar de oído a sus intérpretes favoritos, sobre todo pianistas y vientos.

Posteriormente estudió con Norman Simmons, Neil Waltzer, Jaki Byard, Fred Hersch y George Russell.

En 1988 apareció en la escena neoyorkina y se asoció con el saxofonista tenor Stanley Turrentine durante una década, tras la cual colaboró con Nat Adderley en una gira por Japón y posteriormente con el quinteto de Vincent Herring’s y con Dave Douglas.

En 1990 se enroló en el quinteto de Terence Blanchard. Desde entonces hasta la fecha ha girado por todo el mundo con diferentes formaciones y ha grabado numerosos discos. Cuenta además con una amplia experiencia como profesor en los más prestigiosos centros de enseñanza de jazz, tales como el Berklee College y otros.

MAJAZZINE: Hola Bruce. Para Majazzine es un honor y un placer contar con tu presencia.

BRUCE BARTH: Muchas gracias. Es también un placer para mí.

M: ¿Quién fue la persona decisiva en tu formación musical?

BB: Tony LaMagra, que fue mi profesor de piano.

M: ¿Cuáles son tus principales influencias?

BB: Charlie Parker, Bud Powell, Thelonius Monk, Herbie Hancock, entre otros

M: ¿Por qué elegiste tu instrumento?

BB: Porque había un piano en casa y fue el primer instrumento que oí y que pude tocar cuando era un niño pequeño.

M: Si no tocaras el piano ¿qué instrumento tocarías?

BB: Toco también la guitarra, sobre todo porque me gusta mucho la música brasileña.

M: ¿Qué recomendarías a un principiante en tu instrumento?

BB: Que se concentre en sentir la música y no en la técnica.

M: ¿Qué le recomendarías a un pianista para mejorar?

BB: Que cultive mucho el oído, transcribiendo, tocando de oído, que toque con músicos experimentados.

M: ¿Qué le recomendarías a un pianista para que mejore su lenguaje?

BB: Cantar antes de tocar. Transportar un tema, tanto la melodía como los acordes en todas las tonalidades.

M: ¿En qué estilo te sientes más cómodo?

BB: En el jazz acústico moderno.

M: ¿Cuáles son tus intérpretes favoritos?

BB: Bill Evans, Red Garland, Herbie Hancock, McCoy Tyner, Keith Jarret, Tom Harrell.

M: ¿Cuáles son tus compositores favoritos?

BB: Charlie Mingus, Thelonius Monk, Wayne Shorter, por citar algunos pero la lista sería interminable.

M: ¿Cuáles son tus aficiones?

BB: Cocinar, leer y pasear, tanto en la ciudad como en el campo.

M: Muchas gracias Bruce por tu atención y esperamos volver a verte pronto.

BB: Ha sido un placer.

Bruce-Barth-5Hot Cool para Majazzine

Benicàssim, España, 29 – 04 – 2015

Concierto Charles McPherson Quartet

Día: 29/04/2015Charles-McPherson-2

Hora: 20:45h

Lugar: Jimmy Glass, jazz bar, calle baja 28, Valencia, España

Género: Jazz

Músicos: Charles McPherson, saxo alto; Bruce Barth, piano; Jeremy Brown, contrabajo; Stephen Keogh, batería.

Charles McPherson es un icono del bebop, ama este estilo del jazz tanto como el bebop le ama a él. Como declara en una entrevista realizada al día siguiente por este mismo medio y que se publica en la página correspondiente, “Para mí el bebop es el estilo más importante  porque abarca al resto de estilos del jazz…”

A sus 75 años, Charles McPherson conserva intactas las cualidades que le llevaron a la élite mundial del jazz. Musicalidad, sonido, articulación, lenguaje, creatividad, intuición, elegancia, sensibilidad y empatía con la audiencia, son elementos que Charles sigue llevando en su maleta en sus giras por todo el mundo.

En el año 1992, recaló en el emblemático y añorado Café del Mar del Grao de Castelló de la Plana y, aunque no conservamos registros sonoros del evento, el registro emocional permanece intacto al revivirlo veintitrés años después.

Un atiborrado Jimmy Glass recibió y aclamó caluroso la presencia del cuarteto de McPherson, que en esta ocasión se presentó acompañado por Bruce Barth en el piano, Jeremy Brown en el contrabajo y Stephen Keogh en la batería. Tampoco en este aspecto ha perdido olfato el veterano saxofonista, sabe elegir muy bien su compañía.

McPherson y su cuarteto transitaron por un variado repertorio compuesto por temas de propia factura como “A tear and a smile”, standards como Nature Boy, blues como “Tenor Madnes”, temas de Gershwin y por supuesto bebop, bebop a raudales.

El paso del tiempo no ha hecho mella en la musicalidad de McPherson, que conserva intacta su poesía bebop, con su métrica, su rima, su recursos retóricos, sus paisajes musicales, su sonido rotundo o delicado, según lo exijan las circunstancias, su tic de trompetista escalando a los altísimos del registro, su articulación, nada de ello se quedó en el tintero, no escatimó ningún recurso ni ningún esfuerzo.

Sus compañeros estuvieron a la altura esperada y, aparte de disponer el sustrato donde brotaba el arte de McPherson, ofrecieron sendas intervenciones individuales que pusieron de relevancia su auténtica talla musical.

McPherson tiene fuelle y arte para rato y ojalá no tardemos otros veintitrés años en volvernos a encontrar, mas si así fuera tampoco nos importaría.

Hot Cool para Majazzine.

Entrevista a Dena DeRose

Dena-Derose-2Dena Derose fue parte del elenco de profesores del VII Seminario Internacional de Jazz de Benicàssim, España, que tuvo lugar entre los días 7 y 9 de diciembre de 2013. Habíamos pactado esta entrevista en uno de los recesos del Seminario y nos atiende en el escenario, sentada en la banqueta, con el piano como telón de fondo.

Dena es una reconocida pianista y cantante americana. Nacida en Binghamton, New York, empezó muy joven a tocar el piano, el órgano y la percusión. Muy pronto se aficionó al jazz y solía acudir a la ciudad de Nueva York a conciertos de pianistas de jazz como Hank Jones, Mulgrew Miller y Kenny Barron.

Tal era su afición y obsesión por el piano que de tanto estudiar le sobrevino el síndrome del túnel carpiano complicado con una artritis. Tuvo que sobreponerse a dos operaciones y a la consiguiente rehabilitación, lo que la alejó dos años del piano, pero este hecho fue el desencadenante para que empezara a cantar, primero de manera privada, para más tarde hacerlo de manera profesional.

Empezó a cantar con el trío de su profesor de piano, Doug Beardsley, quien la apadrinó en su carrera como cantante. Más tarde, tal como nos contará en la entrevista, comenzó a compaginar sus dos facetas actuales: pianista y cantante.

Además, desde 2006, Dena es profesora de canto de jazz en la Universidad de Música y Artes Dramáticas en Graz, Austria.

Ha grabado 12 CDs y ha girado por todo el mundo con diferentes formaciones.

Hola Dena, ante todo muchas gracias por atender a Majazzine.

– Es un placer

La historia del jazz está plagada de carreras asombrosas como la tuya. Tú empezaste muy joven a tocar el piano, y tu pasión por el piano de jazz te llevó a sufrir un síndrome del túnel carpiano en tu mano derecha, complicado con una artritis. En aquel momento, en el que tuviste que dejar el piano por razones médicas, el canto te devolvió a la escena del jazz, cuéntanos como fue.

– Bueno, me explico, en mi pueblo natal, Binghamton, New York, yo sólo quería ser pianista, adoraba a Red Garland, Tommy Flanagan, Wynton Kelly, Barry Harris…todos estos grandes pianistas. Mi meta era mudarme a New York y ser pianista, desde muy temprana edad ya lo sabía.

Entonces, cuando aparecieron los problemas en mi mano, con las operaciones, durante casi dos años estuve sin tocar el piano y comencé a cantar, y realmente disfrutaba cantando jazz. Había cantado antes en algún pub, pero no comencé seriamente hasta aproximadamente los 20 años.  Durante más o menos un año estuve inmersa en el aprendizaje del jazz vocal. Entonces, aparecieron otros problemas: aprendía las melodías de las grandes canciones de oído, no podía tocar y me aprendía las letras y las historias de las canciones. Empecé a promocionarme a mí misma en mi ciudad. Había pocos locales para tocar jazz, unos cinco o seis (¡quien los pillara! nota del entrevistador), así que mi profesor de piano de jazz me hizo una prueba para cantar con su trío. Durante los próximos dos años y medio sólo cantaba y aprendía las canciones, escuchaba como tocaba mi profesor de piano todo el tiempo, lo cual fue muy importante y entonces, cuando mi mano ya estuvo mejor, comencé a tocar y a cantar al mismo tiempo, no pensaba en ello, simplemente me acompañaba con acordes y cantaba. Entonces un pianista amigo mío me regaló una cinta de cassette  -eran otros tiempos- ,  en la que lo único que había escrito era “Carmen”, Ok, pensé en la Carmen de Bizet (la tararea), puse en marcha el reproductor y escuché a una cantante y a un pianista, cantaba standards de jazz de una manera genial. Cuando me reencontré con mi amigo le dije “esto es asombroso, la cantante asumo que se llama Carmen” y él dijo (adopta un gesto serio y un tono grave) “¡sí Carmen McRae!” y yo dije “¡guau, es fantástica, la adoro”! “pero ¿quien es el pianista?” y él dijo (tono serio y grave de nuevo) “¡Carmen McRae!” y en ese momento mi mente dio un vuelco. No me imaginaba que podía haber toda una carrera haciendo realmente dos cosas a la vez y empecé a hacerlo. Empecé a aprender los temas grabados por Carmen McRae en su disco “Alone”, que contenía grandes standards como “As time goes by”, “More than you know”, etc.

Cuando mi mano estuvo fuerte otra vez, estuve haciendo solos principalmente. Entonces recluté a un contrabajista y a un baterista y empecé a hacer arreglos, a cantar y a tocar el piano, con la intención de ahorrar dinero para mudarme a New York. Cuando finalmente pude mudarme a New York fue cuando realmente comenzó a hacerse realidad, porque había muchísimo trabajo, en plenos años noventa había toneladas de trabajo, especialmente para las cantantes pianistas, tanto en solitario, en dúo, trío, cuarteto…genial. Los dos años y medio anteriores a mi mudanza a New York me prepararon en la adquisición de mi vocabulario en mi faceta de doble intérprete, aprendiendo las historias de las canciones, etc. para golpear New York. Cuando llegué a New York, fue una carrera meteórica (gesticula un lanzamiento de cohete con la mano, acompañada de una onomatopeya ad hoc).

(La florida respuesta de Dena ha agotado muchas de las preguntas que llevaba un servidor en el guión de la entrevista, así que las salto y voy apresuradamente a las que todavía no me ha contestado, antes de que se me vuelva a adelantar, ya que de lo contrario peligra mi salario)

Si no fueras cantante y pianista ¿qué instrumento tocarías?

– Batería (afirma asintiendo con firmeza), sí, sí, adoro la batería… pero no creo que fuese una baterista de jazz, me encantaría ser  baterista de rock (risotadas) por ejemplo de hard rock, simplemente lo adoro, no sé por qué, quizá también de jazz, pero tocar la batería de rock es genial, lo adoro.

Si te vieras forzada a decir solamente dos músicos que hayan inspirado tu carrera ¿a quienes citarías?

– Carmen McRae y en este momento debería decir Shirley Horn, pero hay tantos otros intérpretes…

Además de la música ¿cuáles son tus aficiones?

– He vivido en Austria los últimos siete años, en Graz. Hay una enorme cantidad de posibilidades de excursiones en la naturaleza. No sabía que me iba a enamorar tanto del paisaje hasta que no me mudé allí. Así que practico el montañismo por los Alpes, realmente adoro las montañas.

¿Qué recomendarías a un principiante pianista o cantante, para desarrollar una carrera gratificante?

– Esa es una pregunta difícil, porque una carrera está más orientada a profesión o negocio, por tanto, si pensamos en esa idea, recomendaría que cualquier cosa que hagas, asegúrate de que la amas y, si tú amas lo que haces, tendrás éxito en la vida. El éxito significa cosas distintas para diferentes personas. Para algunos significa mucho trabajo, tocando en bolos (conciertos) en muchos sitios, para otros significa simplemente aprender música durante el resto de tu vida. Pero hablando de carrera en el sentido profesional significa desarrollar una gran cantidad de seguidores, admiradores, tienes que ser amable, puntual y sobre todo cuidar mucho la música, porque si no,  no tiene sentido una carrera musical.

Muchas gracias por atendernos Dena, ha sido un verdadero placer, esperamos verte pronto de nuevo.

– Muchas gracias a vosotros, he disfrutado inmensamente, gracias.

Hubiéramos estado mucho mas tiempo hablando con Dena, pero tuvimos que someternos a la dictadura de la agenda una vez más y así dar por concluida la entrevista.

Hot Cool para Majazzine

Benicàssim, Castellón, España 9 de diciembre de 2013

Entrevista: Fabio Miano

FabioEsta noche nos encontramos con Fabio Miano en el descanso tras la prueba de sonido antes del concierto que ofrece en Benicàssim junto con Eric Alexander en el saxo, Ignasi González en el contrabajo y Esteve Pi en la batería.

Este pianista italo-canadiense afincado en Alicante lleva años pisando escenarios de nuestro entorno cercano. Conocido, considerado y querido por el público aficionado al jazz que sabe apreciar sus dotes interpretativas, ampliamente reconocidas por la crítica especializada, tiene un porte distinguido y aparentemente circunspecto que no tiene nada que ver con el trato cercano en el que se revela simpático, amable, accesible y muy, muy llano.

¿Quién te impulsó o te motivó a estudiar música?

– Cuando tenía 8 años mis padres me pusieron a estudiar el piano. En mi casa se escuchaba mucha música, supongo que serían mis padres.

¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

– La música que ponían mis padres cuando era pequeño, que era música de big bands como Duke Ellington, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Ella Fitzerald, pianistas como Monk u Oscar Peterson.

¿Por qué elegiste el piano?

– Realmente lo eligieron mis padres, había un piano en casa, todo el mundo tocaba el piano y de alguna manera me dijeron “tú vas a ser pianista”.

Si no tocaras el piano ¿qué instrumento tocarías?

– Me gustan todos, yo tocaba la trompeta de pequeño en una banda, también me gusta el saxo.

¿Qué le recomendarías a un principiante de tu instrumento?

– Le recomendaría que estudiara mucho, que buscara un buen profesor o una buena escuela y luego que tocara lo que le guste.

¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su técnica?

– Estudiar, estudiar, estudiar y practicar, practicar, practicar.

¿Qué le recomendarías a un músico para mejorar su lenguaje?

– Escuchar, escuchar, escuchar.

¿Con qué estilo te sientes más a gusto?

– Yo me siento a gusto siempre que toco cualquier estilo que tenga raíces, que tenga tradición, puede ser moderno o antiguo, pero que conserve raíces y tradición.

¿Quienes son tus intérpretes favoritos?

– Muchísimos. Thelonius Monk, Bud Powell, Sonny Clark, Bill Evans, Herbie Hancock, Hank Jones, Cedar Walton, Kenny Barron. En cada generación hay grandes pianistas.

¿Quiénes son tus compositores favoritos?

– Cole Porter, Irving Berlin, etc. en general todos los grandes compositores de las décadas de los cuarenta y los cincuenta.

¿Podrías recomendar un disco?

– ¡Uno sólo! Un disco fantástico es Soul Station de Hank Mobley.

¿Cuáles son tus aficiones al margen de la música?

– Me gustan mucho los deportes acuáticos, jugar al tenis y conducir mi moto.

Fabio-2Y con esta respuesta nos despedimos y nos emplazamos para el inminente concierto que promete ser antológico, con Eric Alexander, Ignasi González y Esteve Pi.

Fernán  CDE para Majazzine

Benicàssim 8 de mayo de 2014